Nos lo habíais pedido mucho y por fin está aquí… ¡La tercera edición del catálogo de la exposición “Fernando Higueras. Desde el origen”! Tras agotar un total de 2.500 ejemplares en muy poco tiempo, volvemos 4 años después con una nueva edición para que podáis disfrutar, a través de 448 páginas ilustradas con fotografías, del gran trabajo del arquitecto Fernando Higueras. Esta maravillosa edición está realizada en colaboración por el Ministerio de Transportes, Movilidad y Agenda Urbana a través de la Dirección General de Agenda Urbana y Arquitectura y el Centro de Publicaciones, la Fundación ICO y Ediciones Asimétricas, con el apoyo de la Fundación Fernando Higueras y diseño de Soda Comunicación.
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Este catálogo recopila exhaustivamente las mejores obras y proyectos de Fernando Higueras, desde sus primeros dibujos hasta sus últimas propuestas. Abundantemente ilustrado y rigurosamente documentado, es sin duda la más completa monografía dedicada al arquitecto, concebida como un recorrido cronológico fundamentalmente visual e informativo que incluye bocetos, planos, dibujos, fotografías, fichas, memorias, maquetas de trabajo, etc. Los contenidos están organizados en varias épocas, según la propia biografía de Higueras, lo que evidencia las ideas fundamentales, las continuidades, desarrollos y evoluciones y los nuevos enfoques que se incorporan en diferentes momentos a sus planteamientos. Así, se pueden analizar la génesis, el desarrollo y el resultado final construido de sus edificios, comprendiendo los conceptos arquitectónicos que los inspiran y los mecanismos proyectuales que los caracterizan. Sería interminable hacer aquí la lista completa de las obras que se recogen en el catálogo, pero hay que destacar algunas tan emblemáticas como el colegio Estudio, la casa Lucio Muñoz, la casa Macarrona, la UVA de Hortaleza, el Centro de Restauraciones Artísticas, las viviendas para militares, el Hotel Las Salinas, los concursos para el Pabellón Español en Nueva York y el edificio polivalente en Montecarlo, el espléndido Plan Parcial de Playa Blanca en Lanzarote...

Uno de los procesos más relevantes en el mundo de la cultura contemporánea ha consistido en el increíble auge de las prácticas perfomativas. Surgidas a mediados del siglo XX, pero con antecedentes en las vanguardias –incluso antes–, las performances se desarrollaron en todo tipo de espacios: calles, galerías, teatros, cines, universidades. No obstante, es muy reciente su introducción en los museos como espacios de consagración cultural. ¿Qué tipo de transformaciones supone este traslado al museo de la performance?, ¿qué efectos produce en las obras y, más importante aún, hacia dónde apunta el museo de lo vivo? Nunca lo vivo ha estado tan presente en la museología contemporánea, un proceso que contrasta con la casi total desaparición de las iniciativas independientes que, hace no tanto, le sirvieron de plataforma. ¿Qué modelos temporales e historiográficos permite y produce este auge del performance en el museo? ¿Es quizás el deseo de contener lo que se desvanece en el aire lo que genera nuevos modelos de mercancía fácilmente consumible, de inmediato museificable?

Los seis ensayos que componen este libro abordan estas cuestiones desde diferentes puntos de vista incidiendo en la necesidad de abrir un debate que en la actualidad está  modificando la concepción de las prácticas artísticas y las instituciones que las contienen.

Autores de los textos: 
Iñaki Estella, Daniel Lesmes, Henar Rivière, Fernando Baena, Lynda Avendaño y José Antonio Sánchez.

Iñaki Estella (ed.) es profesor contratado doctor en el Departamento de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. Sus áreas de investigación están relacionadas con el arte desde 1945, el arte performativo, la cultura visual, el arte latinoamericano y la historiografía artística. Entre sus publicaciones se pueden encontrar George Maciunas: historia, burocracia y colectividad (Brumaria), Fluxus (Nerea), las coediciones de Llámalo Performance (Brumaria) y de los cuatro primeros volúmenes de Desacuerdos: sobre arte, políticas y esfera pública en el Estado español (MACBA). Uno de sus ámbitos de investigación más relevantes ha consistido en la relectura de la escritura del arte español después de la transición, la relectura del arte feminista en España a principios del siglo XXI y la relación entre el museo y la universidad. Ha realizado estancias de investigación en Columbia, MoMA, Getty Research Institute y el Archivo Sohm (Stuttgart), y en Madrid, la Universidad Autónoma y la Universidad Carlos III. Ha dado conferencias en diversas ciudades en España, Santiago de Chile, Providence (RI), Nueva York, San Peterburgo, entre otras ciudades. En la actualidad investiga la noción de redes artísticas en la segunda mitad de siglo XX.

Daniel Lesmes (ed.) es doctor europeo en Historia del arte y doctor en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid. Antiguo becario de la Real Academia de España en Roma, su investigación está centrada en la teoría de las imágenes y las emociones. Autor de textos como Aburrimiento y capitalismo (Pre-Textos, 2018), «Une responsabilicé commune: Goya et Didi-Huberman» (L’Europe, 2018) o «Mirar a (un) tiempo» (Peter Lang, 2020), su trayectoria está marcada por la colaboración con artistas como Manuel Saiz, Aurore Valade, David Escalona o José Luis Viñas. Ha comisariado exposiciones para los Encuentros Internacionales de la Fotografía de Arles, el Institut Français y la Casa de Velázquez. Entre 2015 y 2019 fue presidente de Cruce, una de las asociaciones de artistas y teóricos de mayor recorrido en la escena independiente de Madrid. Actualmente es profesor de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid. 

En una disciplina en la que la imagen de la ciudad y el entorno antropizado son una construcción ficticia creada a partir de una selección determinada, Hidden Architecture desafía los dogmas asumidos en relación a lo que se publica masivamente poniendo el foco en aquello que permanece velado. Este libro es una recopilación de proyectos basada en la idea del viaje, tanto real como imaginario, que esboza un Atlas en expansión enfatizando la experiencia física, emocional y cultural de recorrer las obras.

Alberto Martínez García

(Madrid, España, 1988) Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM) y Master of Architecture II posgrado por The Cooper Union (Nueva York). Actualmente vive y trabaja en Nueva York, y antes en Shanghái, Ámsterdam, Portugal, Inglaterra y Madrid. Sus intereses incluyen la importancia de la historia en la arquitectura contemporánea, la evolución de la vivienda y la expresión de la cultura contemporánea a pequeña escala, así como el diseño de interiores y de producto.

Héctor Rivera Bajo

(Ciudad Real, España, 1987) Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Alcalá (ETSAUAH). Después de algunos años de estudiar y trabajar en Lisboa y Madrid, se establece en Zürich. Sus intereses se centran en el uso de ciertos patrones espaciales dentro del ámbito de la domesticidad para trazar jerarquías territoriales y producir identidad a través del espacio social y comunitario. Esta aproximación a la naturaleza infraestructural de la Arquitectura debe plantearse desde una actitud crítica frente a la historiografía arquitectónica.

En algún momento, en un remoto pasado, el ser humano proporcionó a sus edificaciones un carácter sagrado que transcendió la mera funcionalidad. Este hecho dio lugar a una clase sacerdotal privilegiada y, por lo tanto, al nacimiento de la religión. La mayoría de doctrinas religiosas han alejado al ser humano de sus orígenes y lo han sumido en la ignorancia y oscuridad, mediante la invención de una serie de mitos plagiados de unas culturas a otras.

A través de este ensayo, recorreremos diferentes aspectos de la expresión arquitectónica de lo sagrado, como el culto al sol de Stonehenge, de las Pirámides de Guiza o de la arquitectura precolombina; la repercusión del Templo de Salomón en la historia de la arquitectura y su relevancia en el rito masónico; la geometría sagrada de las catedrales góticas; el simbolismo masónico de importantes metrópolis como París o Washington; o las referencias esotéricas de la arquitectura teosófica y antroposófica, entre otros. Todo ello con un afán divulgativo y un estilo sencillo para que cualquier lector pueda iniciarse, sin dificultad, en la materia.

Iván Gómez Avilés
(Madrid, 1979) Licenciado en Historia del Arte y Traducción e Interpretación por la Universidad Complutense de Madrid. Además de trabajar como traductor, el autor investiga y publica activamente sobre temas alternativos. Ha publicado Acuerdo Haavara: el pacto entre nazis y sionistas (2022), Breve historia de la zoofilia: mitología, arte y sociedad (2020), Nazismo y sionismo: la colonización sionista de Palestina (2020), Esoterismo y arte moderno: una estética de lo irracional (2019), Infanticidio en conventos y otros ámbitos eclesiásticos (2018) y Geometría y esoterismo: el edificio del Goetheanum (2015).

Reseñas

https://noticiassalamanca.com/ofertas/mejores-libros-sobre-arte-y-arquitectura/

En este undécimo volumen de la colección de ensayos, que la Cátedra Cerámica de Madrid viene desarrollando desde el curso 2007-2008, y con el ánimo de continuar estudiando y analizando el material cerámico como imprescindible en la Arquitectura, se compila en esta edición una serie de reflexiones en relación al material cerámico y al espacio arquitectónico generado a través del mismo. Esta edición recoge el trabajo de diferentes arquitectos que trabajan la cerámica desde diferentes puntos de vista, ampliando y multiplicando de esta forma el campo de interés de un material completamente arraigado en la arquitectura, con unas aportaciones que extienden su conocimiento aunando valores históricos, técnicos y espaciales.

Jesús Mª Aparicio Guisado 
Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, máster en Architecture en la Universidad de Columbia, Nueva York, y doctor en Arquitectura, tiene una triple aproximación a la arquitectura a través de la investigación, la enseñanza y la práctica profesional. Como investigador ha obtenido la beca de la Academia de España en Roma, la beca Fullbright/mec y la beca Bankia. Catedrático de Proyectos Arquitectónicos en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid y profesor invitado y conferenciante en numerosas escuelas e instituciones de arquitectura de Europa y América. Los edificios del profesor Aparicio han recibido diferentes nominaciones como el Premio AR+D, el Premio de Arquitectura y Urbanismo del Ayuntamiento de Madrid, el Premio HYSPALIT de Arquitectura con Ladrillo y el Premio Saloni. En el año 2000, representó a España en la Bienal de Arquitectura de Venecia. En 2005, fue seleccionado para participar en la Bienal de Arquitectura Española. En 2008, fue nominado al Premio Klippan, así como al Swiss Architectural Award y finalmente en 2012 fue ganador de la 39 edición del Premio IIDA. Comisario de las exposiciones Jóvenes Arquitectos de España (2006) y Domusae, Espacios para la Cultura (2010) y editor de la colección de Ensayos Cerámicos. Tanto sus investigaciones teóricas como sus proyectos de arquitectura han sido premiados y publicados internacionalmente.

Héctor Fernández Elorza
Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, ETSAM, donde es profesor en el Departamento de Proyectos Arquitectónicos desde el año 2001. Becado por la Unión Europea durante su etapa de formación estudió en el Darmstadt Institute of Technology en 1995 y 1996 y en la Technical Royal Institute of Stockholm KTH en el año 1998 donde continuó su formación de postgrado gracias a los fondos de la Fundación Marghit y Folke Perzhon en los años 1999 y 2000. Ha sido profesor invitado y conferenciante, entre otras, en la Universidad de Roma-La Sapienza; la Escuela de Arquitectura NTNU-Trondheim; la Real Escuela de Arquitectura de Copenhague; la Universidad Católica de Río de Janeiro y las Escuelas de Arquitectura de Dallas y Cooper Union de Nueva York. Ha recibido, entre otros, el Premio Internacional ar+d y el Premio Saloni por el Centro de Documentación de los Nuevos Ministerios de Madrid y los premios ateg2010, bigmat 2012 y enor-Madrid 2012 por el Edificio de Laboratorios y Almacenes Químicos de la UAH. En los años 2000 y 2012 participó en la Bienal de Venecia de Arquitectura. Su obra ha sido expuesta y publicada extensamente en España y el extranjero. En 2009 y 2010 ha sido becario de la Real Academia de España en Roma. Ha recibido el Premio Extraordinario de Tesis Doctoral de la upm 2013-2014 por su tesis con título Asplund versus Lewerentz.

El objetivo de este libro es mostrar las relaciones que pueden existir entre las construcciones de los animales y el arte contemporáneo a través del análisis de aspectos funcionales y poéticos tanto en obras de arquitectura como en artistas plásticos. El desafío principal es trazar un mapa para cruzar las fronteras entre la creatividad humana y las soluciones en los distintos hábitats de los animales, sumando miradas, desde el arte y la ciencia ampliando nuestra noción de la estética y sugerir la unidad biológica del mundo.

Dicho enfoque coincide con criterios que defiende el propio trabajo de la autora, Laura Lio, como artista plástica, con búsquedas que han estado muy presentes en sus dibujos y esculturas. En este estudio ha buscado desarrollar una mirada zoológica crítica con una constelación creativa e interdisciplinar que incluye perspectivas típicamente ignoradas por los estudios sobre animales: su relación con el arte y la arquitectura para así avanzar en una comprensión mayor de las imbricaciones humanas y animales.

Laura Lio Martorelli
(Buenos Aires, 1967. Reside en Madrid desde 1990.) Se dedica a la investigación y a la creación en artes plásticas. Ha realizado esculturas, instalaciones, proyectos de Land Art y trabajado sobre papel en dibujo, artes gráficas y libros de artista. En el año 2015 crea PEZPLATA Ediciones, sello de libros de artista y material impreso con sede en su NavEstudio. En el 2016 realizó una estancia de creación en China, organizada por la Calcografía Nacional y el Instituto Cervantes de Pekín. En el 2018 y 2019 participó en dos proyectos en Suecia: Art meets Science en Harlösa y en (X) Sites, encuentro de Land Art. Varias de sus esculturas se encuentran en espacios públicos: O Grove (Pontevedra, España), el Odenwald (Darmstadt, Alemania), el Centro Franco Basaglia (Livorno, Italia) y en Strömsfors, Suecia. Sus obras se encuentran en colecciones tales como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid, Museo del Patio Herreriano, Ministerio de Asuntos Exteriores, Congreso de Diputados, Biblioteca Nacional de España, Ministerio de Cultura, Colegio de España en París, Fundación Endesa, Academia Española de Historia, Arqueología y Bellas Artes de Roma, Archivo Lafuente y Colección Circa XX, entre otras.

Club de lectura:  
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Con alcance y contenido complementarios a los de la anterior publicación —(de las) Arquitecturas que hacen ciudad: casos— del “proyecto editorial” que nos ocupa, los ejemplos aquí reunidos tratan sobre las problemáticas, expectativas, estrategias y acciones relativas a las periferias, entendido el término en sus acepciones más abiertas; recorren en nuestro marco social pero también en Latinoamérica y el tercer mundo muy diferentes ámbitos y escalas: la pieza urbana(polígonos, parcelaciones, urbanizaciones),los desarrollos informales, la gran ciudad y las ciudades medias, los territorios rurbanos y metropolitanos, el medio rural, el espacio turístico…

Los aportes de más de cuarenta profesionales y docentes de distintas disciplinas adoptan miradas y enfoques que se extienden de lo conceptual a lo más disciplinar —paisaje, territorio, urbanística…—, con la presentación de casos que toman forma de diagnóstico —problemas y oportunidades— o de propuestas para su regeneración o recuperación de identidades; de manifiesto o de relato con referencia a las artes plásticas, el cine, la vida cotidiana o el movimiento ciudadano… Encontraremos así periferias en formación y otras ya centenarias —históricas—, periferias de expulsión obligada frente a otras de huida voluntaria de la ciudad, y finalmente algunas reseñas de talleres y experiencias docentes que han mirado lo periférico con especial atención investigadora o proyectual.

José María García-Pablos Ripoll (ed.) 
Arquitecto por la ETSAM desde 1969, se dedica a este oficio en ejercicio libre y compromiso público, así como a la docencia en distintas Escuelas de Arquitectura entre ellas la UEM(1999–2020). Premio Nacional de Urbanismo en 1983 por el Plan General de Madrid, y en 2005 por los Desarrollos Urbanos de Fuenlabrada. Sigue estudiando, enseñando y participando en proyectos de investigación. 

Autores de los textos:
Bernardo Ynzenga Acha / Jesús Leal Maldonado / Giancarlo Mazzanti y Doris Tarchópulos / Damián Quero Castanys / Luis Felipe Alonso / Antonio García Fernández / María Victoria Gómez / Eduardo de Santiago / Pablo Ley Bosch / Ricard Pié, Enrico Porfido, Cynthia C. Pérez y Josep María Vilanova / Carlos J. Irisarri / Ignacio López García-Pablos / Jorge Pérez-Jaramillo / Adela Acitores Suz/ Luis de la Fuente Salvador/ María Fullaondo /J. Ramón Gómez Fernández / Ignacio Loras y María José Bel / Carmen Mota / Yuri Pol / Juan Manuel Fernández Alonso / Ramón López de Lucio / José Ramón Moreno García / Alfredo Villanueva Paredes / Eduardo Leira y Fernando Maniá / Carlos Sánchez Casas / Beatriz Blanco / Mónica de Blas / Álvaro Galmés / Amaia García van Kesteren y Antonio García Tabuenca / Francisco López Groh / Jesús Gago Dávila / Carlos Moreno / Carlos Arroyo / Silvia Herrero Alonso.

Es este un libro muy personal y, al tiempo, tiene vocación de ser universal. Es universal porque la colección de arquitectos que en él se trata —aunque no agoten en absoluto lo más importante de la arquitectura del siglo XX, una historia por completo interminable— reúne episodios y arquitecturas altamente cualificadas y muy significativas de la arquitectura del siglo moderno, representando también de modo muy adecuado la diversidad de estilos y de tendencias que se cobijaron bajo el título de «arquitecturas modernas». Que eran tales no por seguir una manera común, sino por ser revolucionarias, rompiendo con los historicismos del siglo XIX e inventando una nueva manera de concebir la arquitectura. O unas nuevas maneras, podríamos decir mejor. Pero es también un libro personal porque esta selección está inevitablemente sesgada por la preferencia del autor y su particular valoración histórica, y porque, además y sobre todo, la mayor parte de estas figuras, si no todas, está críticamente tratada mediante puntos de vista personales. El libro, pues, no renuncia a ser una historia de la arquitectura del siglo XX, pero tampoco a representar unos puntos de vista propios sobre dicha historia.

Antón Capitel 
Ensayista, historiador y crítico de arquitectura, es catedrático emérito de Proyectos de la Escuela de Arquitectura de Madrid. Fue fundador de la revista Pasajes de Arquitectura y Crítica y director de ArquitecturaCOAM. Es autor de varios libros, entre los que cabe señalar el hoy ya clásico Metamorfosis de monumentos y teorías de la restauración o el sugestivo y original Las formas ilusorias en la arquitectura moderna, sin olvidar sus monografías sobre Moya, Coderch o Aalto o sus visiones de conjunto sobre la arquitectura española e internacional del siglo XX.

¿Puede una ciudad no tener lugar? ¿Y si esa ciudad perteneciera a otro mundo? En definitiva, ¿qué es una utopía urbana? El presente libro aborda estas cuestiones a través de un conjunto de proyectos arquitectónicos y cinematográficos en los que, curiosamente, la utopía no limita la posibilidad de existencia como meta inalcanzable. Todo lo contrario, sirve como motor de pensamiento y actúa de puente entre la arquitectura y el cine.

Desde el nacimiento del séptimo arte, los primeros cineastas posaron atentamente su mirada sobre otro arte espacial, la arquitectura, que en aquel momento vivía un periodo convulso. Al mismo tiempo, muchos arquitectos se dejaron seducir por las imágenes proyectadas en la gran pantalla. Durante la primera mitad del siglo XX, época de profundos cambios sociales y vertiginosa evolución tecnológica, este reconocimiento mutuo daría lugar a interesantes propuestas de cariz idealista, tanto en el medio fílmico como en el campo de la edificación y el urbanismo. A partir de la segunda mitad de siglo los acontecimientos históricos vividos desviaron la utopía hacia nuevos e inquietantes frentes.

Carmen Muñumer
Graduada en Historia del Arte y especialista en Historia y Estética de la Cinematografía por la Universidad de Valladolid. Ha desarrollado su actividad en entidades culturales públicas y privadas, como el Museo Patio Herreriano de Arte Contemporáneo Español, la Fundación Joaquín Díaz o el Museo Paul Valéry (Sète, Francia), participando en la creación de contenidos educativos y en la programación de eventos culturales. Como gran apasionada de la arquitectura y el diseño, dispone también de formación en estas materias. Paralelamente ha ocupado diferentes posiciones en proyectos audiovisuales. Es así como, desde una experiencia multidisciplinar, nació la idea de escribir este libro. Asimismo, ha colaborado con distintos medios digitales y en otras publicaciones como la monografía Fritz Lang Universvm coordinada por José Luis Garci.

¿Por qué la Villa Rotonda está girada 45 grados respecto al eje norte-sur, igual que lo estaba el observatorio de Tycho Brahe? ¿Qué llevó a rotar 12 grados el monasterio de El Escorial? ¿Cómo propició Filarete la salubridad en su Ospedale Maggiore? ¿Por qué los palacios contaron con espléndidas pajareras y veletas? ¿Qué mecanismos utilizaron los caballeros de Costozza para refrigerar sus villas? ¿Cómo afectó la peste de 1348 a la arquitectura? ¿Por qué Scamozzi pensaba que los arquitectos debían ser meteorólogos? ¿Cómo respondió Philibert de l’Orme al encargo de diseñar un edificio donde se pudiera migrar de habitación en habitación, como “hacen las cigüeñas en invierno y verano”? Estas y otras preguntas sostienen el hilo conductor de Los laberintos del aire, un relato apasionante y complejo sobre la relación de la naturaleza con la arquitectura a través de los vientos, el aire y las miasmas, y que aporta nueva luz a un periodo no menos complejo y apasionante, el Renacimiento.

Eduardo Prieto
Arquitecto y licenciado en Filosofía, además de DEA en Estética y Teoría de las Artes y Premio Extraordinario de Doctorado de la Universidad Politécnica de Madrid. Sus investigaciones, centradas en la relación entre arquitectura, pensamiento, técnica y medioambiente, han dado pie a libros como Historia medioambiental de la arquitectura (2019, 2022) —la primera en su género—, La vida de la materia (2018) —una exploración al hilozoísmo en el arte y la arquitectura—, La ley del reloj: arquitectura, máquinas y cultura moderna (2016) —una historia de la metáfora de la máquina desde los orígenes de la modernidad— y La arquitectura de la ciudad global: redes, no-lugares, naturaleza (2011) —una radiografía de la globalización—. Ejerce como profesor de Historia de la Arquitectura en la UPM y ha sido visiting scholar en la Universidad de Harvard. Compagina su labor docente e investigadora con la de crítico de arquitectura en publicaciones como Arquitectura Viva, El Mundo y Revista de Libros.