SCÈNES DE NUIT explora el papel de la noche en la construcción de ciudades y sociedades contemporáneas, ilustrando cómo la teoría y la crítica arquitectónica todavía están asociadas con la luz del sol y los paradigmas diurnos. La exposición busca examinar y reflexionar sobre los espacios, actividades y medios desplegados en la cultura nocturna, utilizando eventos nocturnos y escenografía efímera como su principal plataforma de exhibición.

Las cinco sedes SHOP, FILM, CITY, CLUB y FOOD recrean espacios generando prácticas y rituales nocturnos sobre los temas de consumo, cine, calle, fiesta y cultura gastronómica, convirtiéndose en laboratorios experimentales para enfocar y cuestionar la relación entre arquitectura y noche. Scènes de Nuit intenta comprender los fenómenos espaciales nocturnos a través de conferencias performativas, discusiones, paseos, comidas y proyecciones.

Scènes de Nuit es un proyecto del Departamento de Arquitectura de Interiores. HEAD — Genève

Javier Fernández Contreras

(1982) Arquitecto, profesor titular y decano del Departamento de Arquitectura de Interiores de HEAD — Genève. Su trabajo explora la relación entre arquitectura, representación y medios, con un enfoque específico en el papel de los interiores en la construcción de la contemporaneidad.

Youri Kravtchenko

(1984) Arquitecto, profesor y co-coordinador del programa MA en el Departamento de Arquitectura de Interiores de HEAD — Genève. Inspirado por la narratividad y la teatralidad que los espacios pueden comunicar, fusiona sus dos prácticas complementarias, la narración y la construcción, para construir proyectos tanto escenográficos como arquitectónicos.

Manon Portera

(1992) Asistente en el Departamento de Arquitectura de Interiores de HEAD — Genève y cofundadora de la oficina de arquitectura de interiores apropå, que se centra en la luz y los materiales con un enfoque sostenible. Su interés por la práctica sostenible de la arquitectura de interiores la ha llevado a trabajar con el colectivo Rotor en Bruselas, con quien también impartió clases en el Royal College of Art de Londres en 2019.

Club de lectura:  
https://www.instagram.com/p/CZe_ScqhFxr/?hl=es 

BERNABAD TIPO Y TERRITORIO es una publicación que recoge los 25 años de trayectoria profesional del despacho de arquitectura e ingeniería formado por Francisco Lacruz, Alejandro San Felipe y Daniel Abad. Fuertemente enraizado en su territorio aragonés, el libro muestra —dando preferencia al discurso visual mediante una intensa y unitaria mirada fotográfica a cargo de Iñaki Bergera— las señas de identidad de un trabajo disciplinar y riguroso, sensible con la tradición tipológica, la técnica, el paisaje y la construcción de la ciudad. Con textos de Miguel A. Alonso del Val, Iñaki Bergera, Pablo de la Cal, Ignacio Grávalos y Fredy Massad.

La figura de Hassan Fathy es una de las más controvertidas, apasionantes y complejas de la historia de la arquitectura contemporánea. Fue un hombre de su tiempo que encarna en su biografía las contradicciones del siglo que le tocó vivir. Sus obras muestran una gran vocación de modernidad pero sin renunciar a la sabiduría que la arquitectura tradicional atesora y que, paradójicamente, aporta soluciones a problemas que hoy han cobrado más relevancia que nunca.

Como el lector podrá comprobar en los ensayos recogidos en estas páginas, las aportaciones de Fathy no solo son importantes como soluciones constructivas que recuperan técnicas vernáculas: Fathy fue un creador que fusionó diferentes formas, espacios, técnicas y materiales tradicionales hasta obtener una arquitectura nueva y original. También se presenta la labor exhaustiva y minuciosa que Fathy llevó a cabo para desarrollar lo que él llamó tecnologías apropiadas y así conseguir una arquitectura respetuosa y dialogante con el entorno humano y natural.

Su firme determinación por mejorar la sociedad desde la arquitectura le hizo defender con convicción las ideas de comunidad, de proximidad y de sostenibilidad, asuntos que son de absoluta actualidad. Fue un adelantado de su tiempo y hoy es considerado como uno de los pioneros de la arquitectura sostenible. Visionario a contracorriente, en gran medida incomprendido en su momento, Fathy nos ha dejado un legado que sigue teniendo plena vigencia.

Hassan Fathy

(Alejandría, 1900 - El Cairo, 1989) Intelectual comprometido con la renovación cultural de su país e implicado en mejorar el habitat del campesinado, cuyas condiciones de vida parecían no haber cambiado desde los tiempos faraónicos, es el arquitecto egipcio más influyente y el que más interés sigue despertando. Se formó en la enseñanza beaux-artiana y eclecticista de su época, a la que añadió la influencia del Estilo Internacional. Pronto comprendió que los métodos de esas escuelas eran inadecuados para las condiciones económicas, sociales y climáticas de Egipto. Allí la solución al problema de la vivienda rural no podía pasar por la industrialización, los nuevos materiales y el aire acondicionado, sino por las técnicas artesanales de autoconstrucción, los materiales locales y el acondicionamiento térmico pasivo. Dedicado por completo a esta misión, participó en los debates internacionales, en la puesta en marcha del premio Aga Kahn y en la creación del Instituto de Tecnología Apropiada. En 1884 recibió la Medalla de Oro de la Unión Internacional de Arquitectos. Hoy día es considerado uno de los pioneros de la arquitectura ecológicamente sostenible y socialmente responsable.

Es este un libro original, misceláneo, rico y distinto, que propone al lector un recorrido poco frecuente a través de una vivienda poco convencional, proyectada y construida por Javier Carvajal —uno de los grandes arquitectos de la segunda mitad del siglo XX— a mediados de los años 60 en Somosaguas. La medida de la singularidad de esta Casa Carvajal la da el hecho de que Carlos Saura la utilizase como escenario de su película La madriguera —revelador título del papel asignado a la arquitectura— en la que la casa interviene, silenciosa y a la vez omnipresente, con la fuerza de un personaje más del drama.

Este recorrido se establece a partir de un complejo cruce de intenciones, visiones y vivencias distintas que pivotan sobre tres fulcros de carácter bien diverso: el proyecto propio, el análisis disciplinar y la experiencia vital. Así, encontraremos la mirada del arquitecto exigente que proyecta su morada como ejercicio de máxima depuración arquitectónica, proponiéndose a sí mismo para experimentar personalmente el resultado —honestidad que distingue a los que arriesgan más, a los que se comprometen de verdad y lo apuestan todo a una carta, la suya—; las miradas afines de varios arquitectos (Alberto Campo Baeza, Ignacio Vicens, Del Val, Alejandro Gómez García y Eduardo Delgado Orusco entre otros) que se formaron en las enseñanzas del maestro hasta alcanzar, hoy día, relevantes puestos en la vida académica y profesional y que, a medio siglo de distancia, comparten con el lector recuerdos, análisis y valoraciones; y la de la habitante actual, Cristina Rodríguez de Acuña Martínez, prometedora fotógrafa que desde hace una docena de años habita en esa casa y que, interpelada por la fuerza de sus muros de áspero hormigón, sus frescos patios íntimos, sus cambiantes luces y sus recorridos fluidos e interminables, la ha retratado incansablemente con sus máquinas fotográficas, revelando la mirada fenomenológica y verdadera del que percibe en el propio cuerpo los efectos que la arquitectura provoca a lo largo de los días y las noches.

En definitiva, es este un libro en el que la arquitectura se ha mirado con afecto, atención, sensibilidad y conocimiento. Un libro lleno de arquitectura que se vive, se experimenta, se goza, se padece. Y, en ocasiones, también se sueña.

Cristina Rodríguez de Acuña

(Madrid, 1979) Estudió el Master de Fotografía Contemporánea y Proyectos Personales en EFTI. Vivió en Casa Carvajal desde su adolescencia hasta que terminó la carrera de Turismo y viajó a Cancún, México para empezar su carrera hotelera.  Es fotógrafa amateur desde que recibió su primera cámara a los 13 años. Empezó a dedicarse a ello a los 29 cuando, con la llegada de su primer hijo, dejó su labor como estratega comercial hotelera para dedicarse a su hogar y a la fotografía. Dedicó ocho años a la exploración de la fotografía realizando retratos, paisajes, arquitectura, eventos o publicidad. Viajó de los turquesas, selvas y playas blancas de Cancún, México a los ocres rojizos o desiertos de un pequeño poblado al norte de Argentina, Cafayate. Volver a Casa Carvajal, reconocer y reconocerse de nuevo con sus 3 hijos, su madre y sus cámaras después de doce años fuera. Reconstruirse con la casa como referencia fue el trabajo fotográfico e interior de 5 años. Se replanteó la fotografía con la casa como universo, aprendiendo de grandes grandes arquitectos seguidores de Javier Carvajal, de grandes fotógrafos o imágenes como las de Paco Gómez. Durante años ha observando la obra y/o trabajo de directores de cine como Carlos Saura que han realizado trabajos en este espacio y que han generado un cambio en la mirada y percepción de la autora. Hoy, cautivada por la arquitectura, sigue explorando desde la percepción expandiendo su universo a otros lugares que son para ella puerta al reconocimiento y despertar de sensaciones, una nueva forma de retratar la arquitectura.

IMAGINANDO LA CASA MEDITERRÁNEA
Italia y España en los años 50

Este catálogo enfoca el tema de “la casa mediterránea” investigando su presencia operativa en un entorno histórico acotado: los años cincuenta. Período que se caracteriza por la decisiva influencia en España de dos maestros de la arquitectura internacional —Gio Ponti y Alberto Sartoris—, cuya ideología se sustenta en una ponderada mediación entre tradición y modernidad.

Se trata de un proyecto cultural de amplio alcance que se divulgó principalmente mediante una idea actualizada de lo doméstico, haciendo hincapié en la conocida tipología de la “casa mediterránea”; paradigma que perfila su identidad a partir de la singularidad de sus interrelaciones con el entorno, del uso de determinado materiales, de una distribución peculiar de los interiores y del recurso —también simbólico— a algunas pautas figurativas; estrategias llevadas a cabo con el fin de satisfacer las instancias básicas de la existencia contemporánea, en oposición polémica no obstante a la uniformidad alienante de una civilización urbana mecanizada.

A través de distintas fuentes documentales de naturaleza diversa —proyectos, dibujos, revistas, correspondencia, publicaciones y fotografías— se muestran las implicaciones de una reflexión sobre la arquitectura que integra enfoques históricos, paisajísticos y antropológicos, así como los contactos personales y profesionales que se establecieron entre destacados protagonistas de la arquitectura moderna.

Este libro recoge las obras que el artista Rachid Koraïchi ha presentado en la exposición Este largo viaje hasta tu mirada organizada por Casa Árabe en sus sedes de Madrid y Córdoba entre los meses de marzo y julio de 2019. Se trata de obras producidas íntegramente en los talleres de Factum Arte en Madrid y en talleres de cerámica de Barcelona, dos ciudades en las que el artista ha trabajado intensamente en los últimos años dando como resultado la plasmación en esculturas, cerámicas e instalaciones del fascinante universo de signos y grafismos que caracteriza su obra y que le ha otorgado reconocimiento internacional.

Rachid Koraïchi

Nació en Ain Beïda, Argelia, en 1947 y creció durante el período colonial francés que terminó con la Guerra de Independencia en 1962. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Argel en 1970 y más tarde, ya en París, en la Escuela Nacional de Artes Decorativas y en la Escuela Nacional de Bellas Artes. También se graduó en el Instituto de Urbanismo de París.

La semiótica árabe y el gesto gráfico de su obra evocan imágenes figurativas y mensajes destinados a una audiencia universal. Sus ideas se materializan a través de una gran variedad de medios, que incluyen cerámica, textiles, esculturas de acero, piezas de bronce, esculturas de alabastro, etc. También es autor de muchos libros en diálogo plástico con escritores y poetas de diferentes épocas, como Mahmud Darwich, Jalil Gibran, René Char, Michel Butor o Sylvie Germain.

Koraïchi colabora con artistas y artesanos de todo el mundo y con amplia experiencia en técnicas tradicionales y contemporáneas para crear obras e instalaciones que fomentan el diálogo entre las comunidades locales y globales. El artista a menudo instala sus talleres en muchos países. Sus obras se encuentran en numerosas colecciones de museos y fundaciones del mundo.

Reseñas: 

Casa Árabe: http://www.casaarabe.es/eventos-arabes/show/este-largo-viaje-hasta-tu-mirada

La Mirada Actual: http://lamiradaactual.blogspot.com/2019/06/rachid-koraichi-signos-y-grafismos-en.html

Más de arte: http://masdearte.com/rachid-koraichi-casa-arabe/

Ediciones Asimétricas, en colaboración con la Fundación Fernando Higueras, la Fundación ICO, Museo ICO y el Ministerio de Fomento, publica la 2ª edición del catálogo Fernando Higueras. Desde el origen.

Se trata de un libro que recopila exhaustivamente las obras más emblemáticas realizadas por Fernando Higueras desde sus primeros dibujos en 1950 hasta su fallecimiento en 2008. Profusamente ilustrado y rigurosamente documentado, es la más completa monografía dedicada al arquitecto. Se organiza como un recorrido cronológico y sumamente visual por toda la obra de Fernando Higueras, con maquetas originales de la época, fotografías, planos, etc. con los que el arquitecto nos habla sobre sus edificios y su concepción de la arquitectura. También recoge numerosos textos críticos sobre la obra y la figura irrepetible de Higueras.

Editado en español y en inglés el catálogo cuenta con textos de la comisaria Lola Botia, Álvaro Martínez-Novillo, Andrés Perea, Óscar Tusquets, Darío Gazapo y Concha Lapayese, Antonio Miró, Iñaki Ábalos, Juli Capella, Josemaría de Churtichaga, Salvador Pérez Arroyo, Félix Candela, Javier Manterola Armisén, Alberto Humanes Bustamante y un extenso ensayo de María Isabel Navarro Segura.

Este libro insólito recoge los bocetos que Gerardo Ayala ha ido trazando sobre los programas de mano de los conciertos a los que ha acudido. Melómano impenitente, con el tiempo ha reunido una colección abigarrada de apuntes del natural a los que el programa aporta un fondo que, además de informarnos sobre el acontecimiento musical, interactúa vivamente con los propios dibujos, llegando a formar parte de ellos.

Durante décadas, en la penumbra de la sala -oído en los sonidos, ojo en los músicos y lápiz en la mano- Gerardo Ayala ha ido plasmando los apresurados pero certeros retratos de los directores, cantantes o instrumentistas que tanto le cautivan, casi con un gesto automático en el que conjuga dos de sus mayores placeres, la música y el dibujo.

Acerca de estos bosquejos, su gran amigo Vicente Verdú anotó: “Los dibujos de Gerardo Ayala poseen tanta intensidad y verosimilitud que se diría que los músicos tocan a la vez que se les capta y las voces resuenan simultáneamente a su rauda captura. La captura es la dorada cetrería del buen arte y Gerardo Ayala posee un ojo avizor y un pulso que da mágicamente en el centro del corazón.”

Esta publicación recoge una colección de textos de Santiago Cirugeda y Alice Attout que giran en torno a los proyectos más determinantes en la ya larga trayectoria de su estudio Recetas Urbanas. Deliberadamente reacios a la elaboración de un discurso teórico y analítico, inevitablemente aséptico y abstracto, estos textos adoptan la forma narrativa de la anécdota precisamente para permitir el relato de unas “acciones de arquitectura” reales y concretas, poniendo así de manifiesto la singularidad de cada caso de estudio y la centralidad de la vida de las personas en todo proceso de transformación, incluidos los arquitectónicos.

También se incluyen varios ensayos a cargo de Elvira Dyangani Ose (comisaria de la muestra "Usted está aquí", senior curator de Creative Time y profesora de Culturas Visuales en el Goldsmiths College de Londres), Pascal Gielen (profesor titular de sociología del arte y la política en el Instituto de Investigación de las Artes de Amberes), Kristine Guzmán (directora de la serie AA Arte y Arquitectura MUSAC) y Raúl Muñoz de la Vega (asistente del comisariado del proyecto "Usted está aquí).

Textos de: Alice Attout, Santiago Cirugeda, Elvira Dyangani Ose & Raúl Muñoz de la Vega, Silvia Longueira y Manuel Olveira, Pascal Gielen, Kristine Guzmán.

Reseñas: 

León Cultural: https://www.leoncultural.com/evento/usted-esta-aqui-de-santiago-cirugeda-y-documental-mama-de-mayor-quiero-construir-como-tu-presentacion-en-el-musac/

Ctxt: https://ctxt.es/es/20181219/Culturas/23575/Andres-Carretero-entrevista-Santiago-Cirugeda-arquitectura-el-ministerio.htm

Tam Tam Press: https://tamtampress.es/2018/12/14/el-arquitecto-santiago-cirugeda-presenta-en-el-musac-la-publicacion-usted-esta-aqui/

ArquiMagazine: http://www.arquimagazine.com/libros/libros-recibidos/#libro_6610 

¿Por qué no escribir sobre la ciudad como si fuera una página? Alain Arias-Misson, poeta experimental y personalísimo artista multimedia, inventa el Public Poem en 1967 para responder a esta pregunta que él mismo plantea. Desde entonces ha realizado más de una veintena de ellos  en diferentes ciudades del mundo, a los que casi siempre las fuerzas del orden público han puesto el “punto final”.

El Public Poem es un formato de poesía de vanguardia radicalmente original que considera los espacios públicos como una página en blanco sobre la que escribir pero también como un texto que hay que leer para interpretar el mundo. A partir de ahí, la potencia de la palabra poética, significativa, renovadora, viva, genuina, provoca la ruptura de códigos y paisajes con el objetivo de recuperar el sentido humano de la polis reintroduciendo la potencia inaugural del logos.

Claramente diferenciado del accionismo, la performance o el body-art, en el Public Poem la intervención personal del poeta y sus eventuales acólitos —a veces preparados, a veces espontáneos— transforma sus cuerpos en manos que escriben, puntúan, acotan, indican o señalan. Situando con precisión signos lingüísticos de diversos registros o códigos (letras, caracteres tipográficos, grafías fonéticas, máscaras, disfraces, bocadillos de cómic…) Alain Arias-Misson genera una gramática urbana que hace aflorar una nueva semántica de lo público activadora de representaciones colectivas de la ciudad entendida “literalmente” como teatro del lenguaje, al tiempo que establece un territorio onírico de atmósfera electrizante. Y todo, la reapropiación de la calle, la crítica social e incluso el ejercicio de la libertad más allá de convenciones y lugares comunes, por unas horas, parece posible.

Alain Arias-Misson 

(Bruselas, 1936) A los cuatro años de edad se establece con su familia en Nueva York, regresando a Bélgica después de la Segunda Guerra Mundial, a la edad de 13 años. En Bélgica estudió durante tres años, volviendo a Estados Unidos, donde completa su formación, graduándose en la Universidad de Harvard en Literatura griega y francesa. En 1963 se estableció en España donde ayudó a crear el movimiento de la poesía experimental de los años sesenta junto a Joan Brossa, Ignacio Gómez de Liaño, Herminio Molero y otros. En 1967 volvió a Bélgica, donde trabajó en estrecha colaboración con el poeta concreto Paul De Vree y co-editó su revista, De Tafelronde en Amberes; también colaboró ​​con las revistas de vanguardia Phantomas y L’VII en Bruselas. En Bélgica realizó sus primeros «Public Poems», una forma de «escribir en la calle como si fuera una página».

En 1972 se celebra la gran exposición de poesía concreta en el  Museo Stedelijk de Amsterdam (Holanda), donde exhibe por primera vez sus poemas “plástico-concretos”. Durante el mismo período, trabajó en estrecha colaboración con el grupo Lotta Poetica en Italia, con decenas de exposiciones en toda Europa (Documenta-Kassel), Japón y América del Sur. En 1974 regresó a Nueva York, durante varios años expuso en la Galería Emily Harvey y publicó varias novelas y artículos críticos sobre literatura y arte. En 1998 regresó a Europa, a Venecia y París, donde vive y trabaja actualmente. Desde 1967 ha realizado una veintena de “Poemas Públicos”, un método de “escribir en la calle” que inventó en Bruselas.

Reseñas:

La Nueva España: https://www.lne.es/suscriptor/cultura/2019/03/14/poemas-publicos-calle-lienzo/2440845.html