Ernesto Neto (Río de Janeiro, 1964) propone con su obra un nuevo comienzo, una vuelta a ese momento en el que cuerpo y mente eran indivisibles para experimentar y participar del arte no sólo con la vista, el sentido intelectual por excelencia, sino también con el tacto e incluso el olfato; es así como el artista nos incita a involucrarnos cuerpo a cuerpo con la obra de arte, proponiéndonos una experiencia sensible que va de lo individual a lo colectivo, diluyendo no sólo las fronteras entre artista y espectadores, sino también entre arte y vida; una invitación a tomar conciencia de nosotros mismos y del otro por medio de esa corporalidad que es compartida. Con la intención, finalmente, de restituir temporalmente y por medio del arte la experiencia de comunidad perdida que en algún momento de la historia de Occidente hizo sentir al ser humano como una extensión inseparable del mundo. Pero más allá de un estudio sobre el artista y su obra, este libro es una tentativa urgente a repensarnos desde lo común y la no-dualidad.

Cayetano Limorte Menchón
(Albatera, 1990) Licenciado en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid y Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual (MNCARS, UCM, UAM). Ha sido becario de la Biblioteca Nacional de España y colaborador docente de la Universidad de Salamanca. Es coautor del libro Superficie de inscripción: escritura y fotografía (Ediciones Asimétricas, 2016) y comisario diversas exposiciones, entre las que cabe destacar A cuerpo descubierto (2016), un proyecto en común llevado a cabo por el equipo curatorial de CRUCE Arte y Pensamiento Contemporáneo de Madrid, donde ha sido coordinador de proyectos artísticos.

Premios: 

Colección Inmersiones: Distinción COAM 2011 a la divulgación de la Arquitectura. 

Reseñas: 

Diario de Sevilla: https://www.diariodesevilla.es/delibros/ernesto-neto-cayetano-limorte_0_1302170294.html

Este libro constituye un viaje de viajes. Un periplo por los trayectos, peregrinaciones y mudanzas realizados por dos creadoras: Ray Eames y Lina Bo Bardi. Viajes que se funden con sus vidas y sus experiencias creativas; una sucesión de actividades y ensayos que componen el “laboratorio vital” de estas arquitectas.

Al viajar, Ray y Lina exploraron la mirada singular de otras disciplinas en torno a los problemas que a veces creemos exclusivos de nuestra práctica arquitectónica. Rebasaron los límites de los itinerarios canónicos y encontraron en los nuevos destinos, de la mano de la antropología, la artesanía, la moda, los espectáculos o el coleccionismo, nuevas fuentes de invención y nuevos procedimientos.

De destino en destino, por Estados Unidos, India, Italia, Brasil o Japón, Mara Sánchez Llorens y Fermina Garrido López, nos van descubriendo los distintos y fascinantes aspectos de una desbordante actitud creativa que llevaron a Ray Eames y a Lina Bo Bardi a compilar objetos procedentes de sus viajes, a exponerlos dentro y fuera del ámbito privado de sus casas, a diseñar muebles y joyas e incluso reescribir o filmar bellas historias encontradas en dichos desplazamientos en los que mantuvieron vigente su capacidad de sorpresa con lo cotidiano y su postura activa para participar en el mundo que las rodea.

Fermina Garrido López y Mara Sánchez Llorens
Doctoras Arquitectas por la Universidad Politécnica de Madrid y ambas comparten su actividad profesional con la docencia y la investigación en diversas universidades nacionales e internacionales. Compartieron aulas entre los años 2010 y 2013 y a través de este trabajo académico encontraron fructíferos puntos de convergencia en su manera de aproximarse a la arquitectura. En 2011 emprenden «Emergencia Creativa», pesquisa colaborativa entre Departamentos de la Universidad Pontificia de Salamanca en Madrid y otras Escuelas. En 2014 inician la investigación: Los viajes de Ray Eames y Lina Bo Bardi, trabajo desencadenante de este libro que fue presentado en el II Congreso de Investigación en Arquitectura y Género, celebrado en Lisboa en marzo de 2015. Fermina y Mara han desarrollado también la investigación Cita a ciegas. Casa de muñecas saudita expuesta en el COAM en septiembre de 2016.

Premios: 

Colección Inmersiones: Distinción COAM 2011 a la divulgación de la Arquitectura. 

Reseñas: 

ArquiMagazine: http://www.arquimagazine.com/6514/ray-eames-y-lina-bo-bardi-el-viaje-como-laboratorio/ 

Tendències: Teoría y práctica del viaje

Exposición Lina Bo Bardi: https://www.march.es/es/madrid/exposiciones/lina-bo-bardi-tupi-or-not-tupi-brasil-1946-1992 

Fundación Arquia: https://blogfundacion.arquia.es/2018/04/ray-eames-y-lina-bo-bardi-el-viaje-como-laboratorio/

Archdaily: https://www.archdaily.cl/cl/890122/ray-eames-y-lina-bo-bardi-el-viaje-como-laboratorio-ediciones-asimetricas 

Club de lectura: 
https://www.instagram.com/p/B_1mkzpJ0Yq/?hl=es 
https://www.instagram.com/p/CAa0MuVq3qN/?hl=es
https://www.instagram.com/p/CCG9tNmKAuk/?hl=es

Un sintético curso de escritura pensado para críticos, en particular, de arquitectura, organizado en 39 breves lecciones para evitar dos errores habituales e imperdonables: aburrir al lector y hacer la lectura innecesariamente complicada.

La lectura de estas páginas es obligatoria para investigadores y docentes universitarios, en general enfrascados en el contenido pero no muy hábiles en hacer atractivo su pensamiento por falta de recursos literarios. La lectura es facultativa pero se aconseja vivamente a quienes se ocupan de la crítica arquitectónica ya sea en publicaciones o en sus propios blogs.

Se sugieren, de hecho, consejos y trucos para ser breve, captar la atención del lector, no ser confuso, evitar imágenes manidas y lugares comunes, escapar a la adulación o a la crítica feroz. No faltan tampoco consejos técnicos sobre cómo organizar una bibliografía, palabras a evitar, estilo literario y los comienzos más eficaces.

El libro no sigue un orden lógico. Las lecciones han sido escritas sin tener en mente un esquema concreto, como lecciones para un curso de escritura crítica organizado por la Asociación Italiana de Arquitectura y Crítica en el Instituto Luigi Sturzo de Roma.

Luigi Prestinenza Puglisi
(Catania, 1956) Arquitecto y profesor de Historia de Arquitectura Contemporánea en la Universidad de Roma La Sapienza. Ensayista y crítico de arquitectura, sus libros han anticipado el debate arquitectónico italiano sobre temas relevantes de la contemporaneidad. Entre sus principales obras hay que destacar: Rem Koolhaas. Trasparenze Metropolitane; HyperArchitecttura; This is tomorrow, a vanguardie e architecttura contemporanea; Tre parole per il prossimo futuro o New Directions in Contemporary Architecture: Evolutions and Revolutions in Building Design since 1988. Escribe para numerosas revistas como L’Arca, Abitare, Construire, Domus, Architectural Design, A10, etc. y es el director científico de la revista Compasses. Desde 2003 publica digitalmente en presS/Tletter y presS/Tmagazine.

Premios: 

Colección Inmersiones: Distinción COAM 2011 a la divulgación de la Arquitectura. 

Reseñas: 

Club de ArquiLectura: https://blog.universidadeuropea.es/es/diseno-y-arquitectura/club-de-arquilectura/los-arquitectos-que-escriben-architects-who-write

NEO2: https://www.neo2.com/claves-de-un-buen-texto-sobre-arquitectura/

Club de lectura:  
https://www.instagram.com/p/CFfRJQio51N/?hl=es 

El propósito de este libro es redescubrir la esencia de la arquitectura clásica, pues rehuye la simple sucesión cronológica de los estilos y escoge como alternativa determinadas épocas para explicar su evolución. Las lúcidas descripciones de Cesare Brandi, prestigioso historiador del arte, presentan la evolución de los órdenes clásicos a lo largo de la historia a través de algunos edificios singulares desde la Grecia antigua, la Roma imperial y el Renacimiento. Sus clarividentes y extremadamente perspicaces observaciones, su peculiar forma de entender el espacio y las relaciones entre interior y exterior, permiten llegar a una comprensión más profunda de la génesis de algunas obras maestras, piezas clave en el devenir de la historia de la arquitectura, explicando las intenciones de sus autores.

Desafortunadamente, en España la obra de Brandi ha sido poco difundida; aparte de su imprescindible Teoría de la Restauración, solo algunos cuadernos de viajes han sido traducidos al castellano. Ante la dificultad de acceder a su entero corpus ensayístico, la lectura transversal que genera esta selección de pasajes de diversos libros realizada por el profesor Guido Cimadomo ofrece ahora al lector una primera aproximación al pensamiento de Brandi. Son textos críticos de altísimo nivel que exponen la génesis de la arquitectura clásica, y muestran también el valor literario que Brandi siempre instila en sus escritos.

Cesare Brandi (1906-1988) ha sido uno de los más reconocidos historiadores del arte y fundador de la Teoría de la Restauración. En 1938 funda el Istituto Centrale del Restauro junto a Giulio Carlo Argan, dando una total relevancia a la rehabilitación, recuperación y conservación de las obras de arte. Su bibliografía es extensa y variada, de amplio abanico temporal y geográfico, siempre con una mirada personal y crítica que lo posiciona como uno de los grandes intelectuales italianos del siglo XX. Su profundo conocimiento de la historia del arte y de la arquitectura, frente a otras grandes figuras más especializadas en ámbitos concretos, le permiten la amplitud de miras necesaria para expresar simple y claramente su génesis y trascendencia. Las obras de arte, sean estas pictóricas o arquitectónicas, son vistas como algo único e irrepetible y su atento análisis se une a otras fuentes historiográficas existentes para dar una lectura clara de las intenciones de los arquitectos. Autor de monografías, de escritos de estética, teoría del arte y de artículos periodísticos, sus diálogos de los años cuarenta y cincuenta sobre pintura, escultura, poesía y arquitectura —que simbólicamente abren esta selección de textos— nos recuerdan a los grandes tratadistas de la historia de la arquitectura.

Premios: 

Colección Inmersiones: Distinción COAM 2011 a la divulgación de la Arquitectura. 

Reseñas: 

Veredes: https://veredes.es/blog/cesare-brandi-lenguaje-clasico-la-arquitectura/

Revista PH: http://www.iaph.es/revistaph/index.php/revistaph/issue/view/93

La luz, como energía visual y percepción emocional inherente a la arquitectura, necesaria a la óptica e hilo conductor de la física-matemática, pero sobre todo, como bien de primera necesidad para el desarrollo de las sociedades contemporáneas, entendida como herramienta transformadora, ha de ser considerada desde la transversalidad interdisciplinar del conocimiento. La luz se presenta como oportunidad para insistir de nuevo sobre sus cualidades espaciales, sobre sus manifestaciones perceptivas y sobre sus principios ordenadores desde áreas fronterizas supuestamente divergentes. La luz, presencia inmanente de la realidad, nos habla de forma expresiva de la calidad poética del espacio, del milagro visual de la contemplación y del infinito cósmico, escalas diversas del contexto científico sobre una misma cuestión, siempre redundante. Luz, sombra, ilusión, indisolubles en su concepción, reivindican la forma de llamar a este libro sin otra pretensión que volver a pensar de nuevo sobre nuestra propia e incompleta relación con la verdad. Luz, sombra, ilusión construyen un argumento viable sobre el que atrapar tan sólo un instante de inspiración.

Premios: 

Colección Inmersiones: Distinción COAM 2011 a la divulgación de la Arquitectura. 

Este libro repasa siete proyectos que en los años sesenta Antonio Fernández Alba presentó a diferentes concursos especialmente importantes en el panorama arquitectónico español, como fueron los de la Ópera y el Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid, la Feria de Muestras de Gijón, o los edificios del Bankunión y del Banco de Bilbao, entre otros. Antón Capitel analiza, compara y pone en perspectiva histórica estos siete proyectos en los que Fernández Alba desarrolló algunas de sus propuestas más ambiciosas. 

Para Capitel, sin la figura de Fernández Alba es imposible entender cabalmente la evolución de la arquitectura española en la segunda mitad del siglo xx. En pocos años de apretada producción la recuperación de la modernidad racionalista se enlazó con la revisión orgánica, que fraguó en España fundamentalmente gracias a la obra de Fernández Alba y sus escritos.

Ninguno de estos siete proyectos fue construido, pero a pesar de quedarse en ese limbo de las arquitecturas de papel, o precisamente por ello, presentan intuiciones que, de haberse materializado, hubieran llevado la arquitectura de Fernández Alba a una trayectoria todavía más experimental y arriesgada, más singular y adelantada de lo que sin duda lo fue. 

Premios:

Colección Inmersiones: Distinción COAM 2011 a la divulgación de la Arquitectura. 

Reseñas: 

Arquitectura Viva: http://www.arquitecturaviva.com/es/Shop/Issue/Details/463

For a better orientation in the blurred panorama of contemporary architecture, it may be adequate to insist on some basic issues that continue to configure the armature of authentic architecture: matter, light, structure and emotion. These issues are essential to architecture as a poetic of construction and a technique of the inhabiting. The specific approach on which Miguel Guitart focuses is the filter understood as tension between geometry, structure, gaze and light, and whose aim is to activate the architectural space in a profound and reflective way. Filters of gaze and light may be found in many cultures and under many guises, but they are always designed for a whole array of functions and made to measure for each region and for each person. The review of architectural filters presupposes the experience of the deep spatial emotion that they determine, the ascertainment and registering of the aforementioned invariants. The proposal of the author is to rediscover and deepen on these ideas of filtering, porosity and osmosis. The text wants to be an invitation to reintegrate them from timeless architecture into theory and practice of current architecture, as an analytical tool and a creative mechanism inherent to the architectural design.

The title is that of an early essay describing two cities whose ground surface had momentarily become paradigmatic. Mass in the Age of Media is the theme around which many texts thematically hinge, the status of architecture —the physical object— in relation to post digital perception. This selection of writings spans from the avant guard culture of the 1970's AA school —the Indian Summer of the hand drawn in which he was a leading exponent— to more recent architectural tropes such as 'the diagram' or 'the evaporating city'. With sideways glances in the direction of Bachelard, lifestyle modernism in the southern hemispher and the Picturesque, this panoramic anthology expounds an empirical narrative style that also characterizes the much published architecture of BOLLES+WILSON.

El filtro, entendido como tensión entre geometría y luz, que arquitectónicamente se resuelve en la envolvente y cuyo objetivo es activar el espacio a través de la visión. La revisión de los filtros arquitectónicos presupone la constatación de la honda emoción espacial que determinan, las razones que hay para ello y los modos de producirse. La propuesta del autor es redescubrir y profundizar en esas ideas de filtración, porosidad y ósmosis, porque quiere ser una invitación a incorporarlos tanto a la teoría como a la práctica de la arquitectura actual, como instrumentos de análisis y como mecanismos de creación inherentes al proyecto.

Premios: 

Colección Inmersiones: Distinción COAM 2011 a la divulgación de la Arquitectura. 

Los presentes textos ilustran cronológicamente un viaje de treinta años por las diversas topografías de la arquitectura. El título Berlín–Tokio–Tierra corresponde a un ensayo donde se describían estas dos ciudades, cuya superficie se había convertido por un momento en el paradigma de lo excepcional. Las masas en la era de los media es el tema en torno al cual giran muchos textos: el estatus de la arquitectura como objeto físico ante la percepción posdigital. Esta selección de escritos de Peter Wilson comprende desde la vanguardia cultural de la AA de los años 70 —aquel oasis del dibujo a mano, en el que Wilson fue uno de los referentes— hasta los conceptos arquitectónicos más recientes como "el diagrama" o "la ciudad que se evapora". Esta antología panorámica, con guiños a Bachelard, al estilo de vida modernista del hemisferio sur y a lo pintoresco, es muestra de su estilo narrativo empirista, empirismo que caracteriza también la arquitectura de BOLLES+WILSON, ampliamente publicada y reconocida desde sus primeros trabajos. 

Premios: 

Colección Inmersiones: Distinción COAM 2011 a la divulgación de la Arquitectura.