La documentación recopilada por los exploradores que llegaron a Norteamérica a partir del siglo XV nos proporciona una oportunidad inigualable para viajar en el tiempo. Los testimonios, dibujos, planimetrías y grabados que reunieron nos acercan a los conocimientos que los nativos norteamericanos habían depurado durante siglos. Estos conocimientos abarcaban todos los campos que podamos imaginar: medicina, botánica, química y, por supuesto, arquitectura. Nos acercaremos a estas comunidades a través del análisis de sus refugios y de las estrategias bioclimáticas pasivas que utilizaron para habitarlos.

Mediante sus viviendas de tierra, los mandan, los arikara y los hidatsa nos mostrarán cómo era posible vivir a orillas del río Missouri; los sioux, los cheyenne y los crow nos enseñarán cómo habitar un territorio tan complicado como las Grandes Planicies; por su parte, la comunidad de los chippewa, nos mostrará cómo gracias a la construcción de los wigwams, despedían el invierno y recibían la primavera, recolectando frutos y extrayendo el sirope de los arces más cercanos. Invitamos al lector a realizar un pequeño viaje a este mundo, prácticamente ya extinguido.

María Jesús Montero Burgos se licenció en arquitectura superior en la Universidad CEU San Pablo, en cuya Facultad de Humanidades consiguió el doctorado en el año 2021. Su tesis, titulada «Demanda energética y evolución conceptual del refugio prehistórico a lo largo del proceso de sedentarización», se basó en el diálogo entre tres disciplinas: la botánica, la arqueología y la arquitectura. En ella se analizan los sistemas constructivos y las estrategias bioclimáticas utilizadas por los nativos norteamericanos en ocho de sus viviendas más significativas. Su interés por la arquitectura popular nació a raíz de la lectura de los textos publicados por Paul Oliver, con cuyo discípulo, Marcel Vellinga, tuvo la oportunidad de realizar una estancia de investigación en la Universidad Oxford Brookes en el año 2017. Esa inquietud se fue concretando poco a poco, hasta orientar su formación y su carrera profesional hacia la eficiencia energética y las estrategias pasivas presentes en la arquitectura tradicional.

En las últimas décadas la producción arquitectónica se ha caracterizado por una diversidad de episodios que, a pesar de sus obvias diferencias conceptuales y formales, comparten un denominador común: la arquitectura ya no es un objeto autónomo y abstracto, sino que actúa más como interfaz, es decir como medio que permite al usuario relacionarse e intercambiar informaciones y estímulos con la realidad.

Este ensayo se centra en una forma concreta de interfaz: la de la percepción. Las arquitecturas de la percepción se presentan bajo las formas de esferas, burbujas o atmósferas, en las que el aire se convierte en un material de construcción para alcanzar un grado cero tanto físico como simbólico. Se analizan las nuevas direcciones de la estética contemporánea de filósofos como Böhme, Sloterdik o Virilio, para comprobar cómo conceptos y teorías diferentes hay tenido consecuencias disciplinares ligadas lo perceptivo. Surgen así dos categorías, las máquinas de la percepción y las arquitecturas convectivas, que nos ayudarán a comprender mejor las exploraciones que caracterizan la arquitectura de nuestros tiempos.

Stefano Corbo es arquitecto y Profesor en la TU Delft (Technische Universiteit Delft), donde ejerce también como coordinador del Programa de Máster para el Grupo de Public Building. Corbo es doctor de Proyectos Arquitectónicos Avanzados por la UPM-ETSAM (2017). Antes de incorporarse en la TU Delft, ha desarrollado su carrera docente en los Estados Unidos, Europa, Asia y Oriente Medio. Corbo es autor de otros cuatro libros: EXTERIORLESS. Form, Space, and Urbanities of Neoliberalism (2023, Routledge); Notes from the Underworld. An Architectural Exploration (2019, Schiffer); Interior Landscapes: A Visual Atlas (2016, Images); From Formalism to Weak Form. The Architecture and Philosophy of Peter Eisenman (2014, Ashgate-Routledge).

¿Puede una ciudad no tener lugar? ¿Y si esa ciudad perteneciera a otro mundo? En definitiva, ¿qué es una utopía urbana? El presente libro aborda estas cuestiones a través de un conjunto de proyectos arquitectónicos y cinematográficos en los que, curiosamente, la utopía no limita la posibilidad de existencia como meta inalcanzable. Todo lo contrario, sirve como motor de pensamiento y actúa de puente entre la arquitectura y el cine.

Desde el nacimiento del séptimo arte, los primeros cineastas posaron atentamente su mirada sobre otro arte espacial, la arquitectura, que en aquel momento vivía un periodo convulso. Al mismo tiempo, muchos arquitectos se dejaron seducir por las imágenes proyectadas en la gran pantalla. Durante la primera mitad del siglo XX, época de profundos cambios sociales y vertiginosa evolución tecnológica, este reconocimiento mutuo daría lugar a interesantes propuestas de cariz idealista, tanto en el medio fílmico como en el campo de la edificación y el urbanismo. A partir de la segunda mitad de siglo los acontecimientos históricos vividos desviaron la utopía hacia nuevos e inquietantes frentes.

Carmen Muñumer
Graduada en Historia del Arte y especialista en Historia y Estética de la Cinematografía por la Universidad de Valladolid. Ha desarrollado su actividad en entidades culturales públicas y privadas, como el Museo Patio Herreriano de Arte Contemporáneo Español, la Fundación Joaquín Díaz o el Museo Paul Valéry (Sète, Francia), participando en la creación de contenidos educativos y en la programación de eventos culturales. Como gran apasionada de la arquitectura y el diseño, dispone también de formación en estas materias. Paralelamente ha ocupado diferentes posiciones en proyectos audiovisuales. Es así como, desde una experiencia multidisciplinar, nació la idea de escribir este libro. Asimismo, ha colaborado con distintos medios digitales y en otras publicaciones como la monografía Fritz Lang Universvm coordinada por José Luis Garci.

Environment relaciona cuatro ideas esenciales en la consideración social y ecológica del medio, para descubrir nuevos modos de proyectar y habitar la arquitectura. Bajo el concepto de “medio” (environment), la generación de artistas y arquitectos de los años sesenta del siglo XX aludía a un entorno que debía servir a las necesidades vitales del individuo y responder a las recientes preocupaciones ecosistémicas. Desde entonces, el aparato conformado por la atención al territorio, las técnicas de exploración del paisaje, los nuevos canales de información y el potencial colectivo se han constituido como las vías de trabajo más fructíferas hacia un hábitat sostenible.

En forma de viaje atemporal, se invita al lector a una inmersión para la alianza por el medio ambiente a través de un conjunto de prácticas de dicho laboratorio experimental, desde el contexto estadounidense con las teorías de György Kepes, Kevin Lynch, Stewart Brand o R. Buckminster Fuller y los trabajos de Robert Smithson, Gordon Matta-Clark, Reyner Banham y Juan Navarro Baldeweg, hasta la expansión a nivel global con el alcance especulativo del momento actual. Estos relatos en curso, tan contemporáneos hoy como ya lo fueron cincuenta años atrás en el contexto contracultural más revolucionario, proporcionan un campo de innovación colectiva para la recuperación del planeta.

Ángela Juarranz Serrano 
Es Profesora de Proyectos Arquitectónicos en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (Universidad Politécnica de Madrid), donde completó sus estudios de Arquitectura, Máster y Doctorado. Además, ha sido Visiting Scholar en la Universidad de Columbia en Nueva York. Su labor investigadora ha sido reconocida con la Beca de Investigación, de la Fundación Arquia y la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; y la Beca FPU, del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. Combina la actividad docente e investigadora con la práctica profesional, de reconocido prestigio en el ámbito nacional e internacional, mediante el Panorama de Obras de la Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo; Bienal de Arquitectura de Venecia; Premio Europan; First Works Bauwelt Award; Premio COAM (Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid); Premio COACYL (COA Castilla y León); Premio Empresa Municipal de la Vivienda de Madrid; Premio ASCER, entre otros.

El arquitecto brasileño Paulo Mendes da Rocha (1928-2021) es uno de los protagonistas principales de la arquitectura latinoamericana y una de las figuras más interesantes del panorama de la arquitectura mundial. Catedrático en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de São Paulo, es autor de obras como el Gimnasio del Club Atlético Paulista (1961), el Pabellón de Brasil en la Expo de Osaka (1970), el Museo Brasileño de Escultura MUBE (1987), la restructuración de la Pinacoteca Estatal de São Paulo (1993-97), el Museo de las Carrozas de Lisboa (2009), el complejo Casa de las Artes de Vitória do Espírito Santo (2011) y el proyecto del Campus Universitario de Cagliari (2007). Su obra ha sido expuesta en la AA School of Architecture en 1999 y en la VII Muestra de Arquitectura en la Bienal de Venecia en el año 2000. Su obra y su pensamiento le han hecho merecedor de numerosos galardones y distinciones, entre los que destacan el Premio Mies van der Rohe para América Latina en 2001, el Premio Pritzker en 2006, el Leone d’Oro en la XV Bienal de Venecia en 2016, el Premio Imperial de Japón en es mismo año y la Medalla de Oro del Royal Institute of British Architects RIBA en 2016. Este libro recoge un compendio de valiosas entrevistas a Mendes da Rocha realizadas por Carlo Gandolfi entre 2009 y 2013 como parte de la investigación para su tesis doctoral, que versaba sobre la obra del arquitecto brasileño, al que además ha dedicado varias publicaciones.

Carlo Gandolfi

(Londres, 1980) Estudió en la Politécnica de Milán y en la FAUP de Oporto, PhD en Composición Arquitectónica en la Universidad IUAV de Venecia. Ha desarrollado actividad didáctica en las Politécnicas de Turín y de Milán, ha dado lecciones y conferencias en varias ciudades como guest critic y guest lecturer, participado en seminarios y convenios. Sus artículos y ensayos están presentes en revistas nacionales e internacionales; sus proyectos de arquitectura firmados en colaboración con el estudio milanés Bunker, que fundó en 2006 han obtenido premios y reconocimientos y aparecen en revistas especializadas internacionales.Professor titular de Composición Arquitectónica y Urbana, ensena proyectos en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Parma. Ha traducido y coordinado la versión italiana del volumen Motion, émotions de Jacques Gubler y La città per tutti de Paulo Mendes da Rocha y publicado Matter of space. Città e architettura in Paulo Mendes da Rocha.

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Comprender es todo lo contrario de describir, y para comprender es necesario observar. Además, «la calidad de la comprensión depende de la calidad de la observación». Es decir, su resultado no sólo necesita del observador, sino de cierta especialización para poder representar esa realidad que se desea transmitir.

Pedagogías dibujadas para tiempos de crisis es una llamada a una preocupación pedagógica que entiende el dibujo como una forma de pensar propia de la arquitectura. Construye un contexto y un marco conceptual donde los libros Learning from Las Vegas (1972) y Made in Tokyo (2001) se reconocen como proyectos pedagógicos potenciales por practicar una sensibilidad hacia lo existente, y por reaccionar con objetividad ante una realidad convulsa a través de registros y procedimientos soportados en dibujos; observaciones que lograron transmitir teorías trasgresoras de proyecto. Además, son substancia del pensamiento combinado resultante de enseñar, practicar, e investigar en arquitectura.

Pedagogías dibujadas para tiempos de crisis es también una especie de guía para quien desee aprender y enseñar a proyectar. Ofrece una serie de ideas sobre cómo podría abordarse un proyecto de enseñanza hoy: diez bazas operativas de dibujo abren una ruta exploratoria y útil para reaccionar ante escenarios de incertidumbre radical.

Lina Toro
Arquitecta colombiana UPB-Medellín (2001); arquitecta española homologada por MECD (2007); Doctora Internacional ETSAM, UPM (cum laude), y Premio Extraordinario de Tesis Doctoral ETSAM, UPM 2020/2021, con Learning from Las Vegas y Made in Tokyo: Pedagogía y Dibujo del Proyecto Arquitectónico (2021). Lina ejerce, enseña e investiga en arquitectura. Funda dosmasunoarquitectos (2003-2013) y linatoro.arch (2014-), siendo premiada en 33 concursos de arquitectura. Entre su obra construida: Behind the Scenes, Not Only a Car Wash (2016), CSS en Móstoles (2012), Casa Syntes (2009), Pasarelas M-30 (2007), 102 Viviendas en Carabanchel (2007). Su obra ha sido publicada en El Croquis, Domus, a+u, a+t... Fue codirectora de la revista Arquitectos CSCAE (2006-2013); coeditora y comisaria de Monoespacios: 15 Exposiciones y Libros, COAM (2004-2007). Enseña en la ETSAM, UPM (2008-); IE University (2014-); y UNAB, Chile (2020-). Es research fellow de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando + Fundación Arquia, Beca Investigación NY (2018); visiting scholar, Columbia GSAPP (2019); Investigadora Postdoctoral Margarita Salas UPM (2022-2024); y visiting scholar, TU Berlin (2022-2023).

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En la antigüedad los arquitectos pretendieron burlar el paso del tiempo mediante sus sólidas construcciones. Esta quimera se cuestionó a comienzos del siglo XX con la obsolescencia programada de los futuristas: «Las casas durarán menos que nosotros… Cada generación deberá construir su propia ciudad». El presente texto nos explica cómo el tiempo se ha convertido en una materia activa más en el trabajo del arquitecto contemporáneo. La arquitectura, como la música, la literatura o el cine, es una disciplina temporal. Veremos que en el Renacimiento la arquitectura tomará conciencia de su propia historia. También cómo con Palladio, el papel impreso se convertirá en un medio más eficaz para conquistar el futuro que la propia realidad construida. Pero el verdadero cambio vendrá en el siglo XX cuando desde las ciencias, las artes y los medios de comunicación se infiltre una nueva conciencia temporal que cambiará el discurso de los arquitectos en la segunda mitad del siglo. Desde la asimilación del espacio-tiempo, pasando por la imagen-tiempo cinematográfica o el tiempo espectacular del capitalismo, el autor propone un viaje a través de la multiplicidad del tiempo que inevitablemente reverbera en la arquitectura actual.

Josean Ruiz Esquíroz
(Pamplona, 1975) Profesor de Proyectos en la ETSAM y Doctor Arquitecto con Premio Extraordinario por la Universidad Politécnica de Madrid. Con once años, durante un viaje familiar a Brasilia, quedó impactado por la ciudad y preguntó a su padre: «¿qué hay que estudiar para construir edificios?». Inició sus estudios de arquitectura en Pamplona y los finalizó en Barcelona. Fue becado por la Caixa para realizar un máster en la Universidad de Columbia en Nueva York. Ha compaginado su carrera de arquitecto con su pasión por la docencia y la investigación. Fundó los estudios Zon-e y Ruizesquiroz Arquitectos y fue el primer director de la Norman Foster Foundation.Impartió docencia en la Universidad de Columbia, en la Universidad Estatal de Nueva York y en la Universidad Francisco de Vitoria. Sus proyectos y textos han sido publicados en revistas como Arquitectura Viva, LOG y The Architectural Review, entre otras.

Arquitectura Viva 242 (2022)

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El cuerpo y la arquitectura son entidades en continuidad y, por lo tanto, se desarrollan conjuntamente. Con el creciente avance tecnológico que se está produciendo en la actualidad, la construcción de nuestro entorno, de nuestra especie y, en concreto, de nuestros cuerpos está cambiando drásticamente: la nueva cultura del cuerpo se manifiesta en forma de body-building, medicina estética, cirugía plástica, prótesis, manipulaciones genéticas… Son síntomas de que los cuerpos están, inevitablemente, transformados y constituidos en gran parte por la tecnología, y como consecuencia, surge la necesidad de estudiar la relación desde un punto de vista arquitectónico, ya que, estas modificaciones tienen repercusiones directas en la sociedad y la política, en las maneras de desarrollarse la ciudad y de entenderla, en nuestra relación con los espacios, con nosotros mismos y con otras especies… En definitiva, en la constitución de lo humano. El cuerpo es el sujeto del habitar. La arquitectura, como herramienta capaz de poner en relación cuerpo y espacio, puede diluir la frontera que los separa, y por lo tanto debería formar parte de esta reflexión entendiendo las implicaciones del cuerpo contemporáneo, un cuerpo híbrido, que se define y se modifica por medio de la tecnología, un cuerpo trans.

Laura Barros Condés
(Madrid, 1996) Graduada en Arquitectura por la Universidad Europea de Madrid y Máster en Diseño de Interiores por la Escuela Superior de Diseño de Barcelona. Ha sido ganadora de la Beca Arquia en 2019 y fue nominada a los premios YTAA (Young Talent Architecture Awards) en 2020 por su trabajo de fin de grado “Habitar(se)”, el cual ha dado origen a este libro y ha sido el germen de un profundo interés en el campo de la investigación. Además, durante su carrera ha podido trabajar en diversos estudios de arquitectura como RCR Arquitectes o elii (oficina de arquitectura). Actualmente trabaja como arquitecta y diseñadora de interiores en OHLAB Oliver Hernaiz Architecture Lab.

“Una lectura pesimista de este ensayo de Robert Adams podría hacernos suponer que la arquitectura es una profesión en decadencia, merecida inevitable e inexorablemente. Pero no dejes que esto te desanime: Los 7 pecados capitales de los arquitectos, una serie de artículos breves ilustrados por la conocida mano del dibujante de Architects’ Journal Louis Hellman, expresa con cariño e ingenio una crítica mordaz de los peores aspectos de la profesión. La crítica de Adam es condenatoria, su discurso es seductor. [...] En este pequeño libro, Adam cambia el septeto de la envidia, el orgullo (nada ajeno a los despachos de arquitectura) y a sus tóxicos amigos por un nuevo paquete de pecados. El elitismo satiriza el vestuario extravagante de los arquitectos y la estrategia que usan para mantener aparte a la chusma. Le siguen la soberbia, el egocentrismo, el dogmatismo, la ignorancia y el derroche. Pero la advertencia más crítica proviene de la incompetencia. [...] Aunque pienses que se trata de los reproches de un tradicionalista, no te asustes. La preocupación del autor es la de un padre inquieto, alarmado por las travesuras de su hijo descarriado. Y en cualquier caso, si no te gusta, puede que tu pareja o un amigo que no sea arquitecto lo encuentre divertido”. James Pallister, en Architects’ Journal

Robert Adam
Conocido como diseñador de arquitectura tradicional y clásica en evolución. Sus trabajos incluyen mansiones privadas, promociones residenciales, rehabilitaciones y ampliaciones sobre edificios históricos, edificios comerciales y masterplanning. Es un comentarista habitual de las actuales tendencias arquitectónicas. Asimismo, escribe y ofrece conferencias básicamente sobre historia y teoría de la arquitectura. Es profesor invitado de Diseño Urbano en la Universidad de Strathclyde. Adam ha sido secretario honorario de RIBA y consejero electo; ha prestado sus servicios en el English Heritage y en el comité de revisión de diseños de CABE.

Louis Hellman
Lleva cuatro décadas observando el mundo de la arquitectura y el urbanismo a través de sus viñetas en The Architect’s Journal y en Building Design, además de haber plasmado en caricaturas a famosos arquitectos al estilo de sus propios edificios en Architectural Review, posteriormente recopiladas en el libro Archi-tetes: The Id in the Grid (Academy 2000). Hellman realizó sus estudios en la Bartlett School of Architecture, University College en Londres y en la Ecole des Beaux Arts de París. En 1993 fue nombrado Miembro de la Orden del Imperio Británico por sus servicios a la arquitectura.

El lugar que la obra de Gego ocupa en la tradición abstracto-geométrica de Venezuela, una de las más fecundas de América, es complejo; y es que esta obra sutil, que paradójicamente comunica tantos significados, se resiste a las definiciones. Por ello, este libro se plantea como una aproximación a la manera en que esta artista, en diálogo con los principales exponentes de esta tradición, reconociendo y compartiendo algunas de sus ideas, expresó libremente su pensamiento.

Gego creó un cuerpo de trabajo excepcional, que tensiona y desborda el canon dominante. Es decir, potenció el vínculo de su quehacer artístico con la naturaleza y tuvo una relación con el proyecto de modernización distinta a la de sus contemporáneos, lo que la llevó a desarrollar una suerte de abstracción impura, una geometría contaminada, que con el pasar de los años resulta cada vez más fascinante. La bichos de Gego, como irónicamente llamaba a sus creaturas, pueden ser interpretados como otro de los signos de la modernidad venezolana que, al complementar la versión utópica y oficial de este proceso, se revela imprescindible.

Alberto Fernández Rojas
(Ciudad Bolívar, Venezuela, 1987) Graduado con honores magna cum laude en Comunicación Social y Periodismo por la Universidad Sergio Arboleda, especialista en Opinión Pública y Mercadeo Político por la Pontificia Universidad Javeriana, y master en Historia del Arte Contemporáneo y Cultural Visual por la Universidad Complutense de Madrid. Aunque se centra principalmente en las artes visuales y la cultura de América Latina, su escritura abarca ámbitos diversos siendo reconocido en 2013 con el Premio Nacional al Periodismo Económico, otorgado por la Asociación Nacional de Instituciones Financieras (Anif) de Colombia. Además de su trabajo como periodista y crítico de arte en medios de comunicación, tiene experiencia en gestión de la comunicación institucional y actividades públicas de entidades culturales y educativas.

Premios: