«Se invierte más trabajo en interpretar las interpretaciones que en interpretar las cosas, y hay más libros sobre libros que sobre cualquier otro asunto»: la sentencia irónica de Montaigne define un tiempo, el nuestro, en el que no hacemos sino glosarnos los unos a los otros. Y por fuerza define también este libro, que parte de la idea de que ninguna ciencia es neutral y proyecta su premisa en la Historia de la arquitectura con el objetivo de desvelar su discurso interno. Cada época, cada generación, ha interpretado el pasado desde las inquietudes del presente: entender este proceso es el propósito de la Historia de la Historia de la arquitectura, un ensayo organizado mediante conceptos o paradigmas —retórica, discurso, disciplina, sistema, ciencia, apología, crítica— que muestran los muchos modos en los que, desde el Renacimiento, se ha dado la historiografía con relación al contexto artístico, filológico, filosófico o científico de cada momento. El resultado de este examen —que obliga a la Historia a mirarse en el espejo de la historia— es un juego de reflejos entre lo que el ayer fue y lo que pretendemos que sea, entre la historia de los hechos y la Historia de los discursos; un juego complejo pero revelador que nos aleja de los dogmas tanto como nos previene de la tentación de juzgar el pasado.

Eduardo Prieto es arquitecto y licenciado en Filosofía, además de DEA en Estética y Teoría de las Artes y Premio Extraordinario de Doctorado de la Universidad Politécnica de Madrid. Sus investigaciones, centradas en la relación entre arquitectura, pensamiento, técnica y medioambiente, han dado pie a libros como Historia medioambiental de la arquitectura (2019, 2022) —la primera en su género—, Los laberintos del aire (2023) —un estudio sobre arquitectura y medioambiente en el Renacimiento—, La vida de la materia (2018) —una exploración del hilozoísmo en el arte y la arquitectura—, La ley del reloj: arquitectura, máquinas y cultura moderna (2016) —una historia de la metáfora de la máquina desde los orígenes de la modernidad— y La arquitectura de la ciudad global: redes, no-lugares, naturaleza (2011) —una radiografía de la globalización—. Ejerce como Profesor Titular de Historia de la Arquitectura y el Urbanismo en la UPM y ha sido visiting scholar en la Universidad de Harvard. Compagina su labor docente e investigadora con la de crítico en publicaciones como Arquitectura Viva, El Mundo y Revista de Libros.

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Aunque existe un amplio consenso sobre la importancia del Gimnasio Maravillas, obra primordial del arquitecto Alejandro de la Sota (Pontevedra, 1913 - Madrid 1996), se plantea frecuentemente por qué es ejemplar y en qué radica su calidad. Este libro trata de responder a estas preguntas. Inevitablemente uno parte de que sí lo es y de que su calidad es inmensa. Pero sólo podremos afirmarlo con rigor si sometemos al edificio a un exhaustivo análisis, donde podamos comprobar que responde de manera excelente a todas las preguntas desde cualquier punto de vista, especialmente si verificamos que mantiene intacta su frescura y su novedad, y su capacidad de sugerir en el tiempo.

Decía John Berger que al recorrer letra por letra las palabras en un idioma que no conocía tenía la sensación de caminar por los surcos de un poema, de cruzar el territorio de la poesía. M-A-R-A-V-I-L-L-A-S pretende exactamente eso. Al descomponer la palabra estamos invitados a explorar el edificio desde cada ángulo sin olvidar que aún así lo comprendemos completo. Un sencillo proceso de disección para tratar de comprender las verdaderas razones que sustentan esta magnífica obra de arquitectura. Una posible explicación.

Víctor Olmos (Madrid,1962), es Doctor Arquitecto por la Universidad Politécnica de Madrid, defendió su tesis doctoral “Vivencias y divisiones. El Gimnasio Maravillas de Alejandro de la Sota” en el año 2010. Ha sido Profesor Asociado en el Departamento de Proyectos de la ETSAM durante más de veinte años, desde que era un joven arquitecto que creía que lo sabía todo, hasta que la vida le llevó a trasladarse a la ciudad austriaca de Feldkirch, en la frontera con Suiza y Liechtenstein, donde vive y trabaja en la actualidad. Como arquitecto siempre compartió con su compañera de aventuras Gloria Ochoa muchos proyectos y unos cuantos edificios construidos. Como pintor disfruta pintando paisajes y personas. Y piensa que el futuro no está todavía escrito.

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Este libro supone un recorrido por la obra residencial de Luigi  Caccia Dominioni, se pretende que sirva para aprender de sus obras y alcanzar lo que de actual hay en la lección contenida en sus espacios residenciales: la vigencia y sobre todo la necesaria actualidad de volver a unas planimetrías hechas desde el instinto, para un habitar desde dentro hacia fuera sin buscar el espectáculo formal como resultado, recuperar la importancia de la composición y el detalle de las fachadas, sin dejar de lado el fundamental compromiso que tiene la arquitectura con la historia, con la ciudad y con sus ciudadanos.

El renombrado Estilo de Caccia es en realidad un ejercicio atemporal, no en busca de un estilo propio sino de un compromiso personal, heredero de la ética de su educación y de su pertenencia a una de las familias más antiguas de la ciudad de Milán.

LCD trabaja en Milán, pertenece a una generación destinada a reconstruir el país justo después de su devastación a causa de los bombardeos aliados, y hay que destacar que lo hace algunos años antes de la definición teórica de Ernesto N. Rogers. El interés por la contribución de la arquitectura a la ciudad está presente en todos los proyectos; la construcción o recuperación de un ambiente propio a cada uno de ellos es un modo de hacer que asegura la pertenencia al imaginario colectivo, de modo que se construye lo urbano desde la arquitectura.

El conocimiento de las primeras obras residenciales y su posterior análisis a través de la siguiente escala de observaciones avalarán o no el verdadero Stile di Caccia.

Mónica Alberola
Arquitecta (ETSAM, UPM 1992), y Doctora Arquitecta. Desde 1998 imparte clases en el Departamento de Proyectos de la ETSAM, UPM, Ha sido invitada en diversas escuelas de arquitectura e instituciones: Politécnico de Milán, Universidad Roma Tre de Roma, CEU San Pablo, URCJ, Fundación COAM, así como en diversas universidades públicas y privadas españolas. Ejerce la arquitectura en ejercicio libre desde 1992, su trabajo ha formado parte de exposiciones colectivas nacionales e internacionales. En su trayectoria profesional ha recibido importantes premios en concursos de proyectos y obra construida.

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Si hay un arquitecto que, en los últimos años, ha sabido desarrollar el binomio creación-comunicación es, sin duda, Rem Koolhaas. El holandés navega como pocos entre la teoría y la práctica arquitectónica, con un sentido crítico excepcional y un enfoque brillante en el desarrollo de la comunicación, marcando con sus propuestas el devenir arquitectónico de este siglo. 

Koolhaas (auto)editado. Del delirio a los elementos, pretende estudiar la comunicación como un acto de creación en sí mismo, la integración del diseño de la información desde el inicio del proceso creativo que transforma y enriquece dicho proceso. A través de un análisis comparativo de su obra escrita más relevante, este libro disecciona las estrategias proyectuales por las que la comunicación se convierte en determinante a nivel compositivo en el conjunto de su obra. Comenzando por su Delirio Neoyorkino, con paradas en su monográfico estandarte —S,M,L,XL— y su monográfico underground —Content—, llegaremos a su última revisión de los fundamentos en el mastodóntica Elements of Architecture, la idea fundamental es dar a conocer esta serie de estrategias que pueden ser incorporadas en la práctica proyectual de las nuevas generaciones de arquitectos y creadores, nacidos en la era de la sobreinformación.

Belén Butragueño

Doctora Arquitecto por la ETSAM, UPM. Combina su actividad profesional con la investigación y la docencia. Comenzó su actividad docente en la Universidad IE de Segovia; en la actualidad es Profesora Ayudante Doctor del Dpto. de Ideación Gráfica Arquitectónica de la ETSAM, donde colabora desde 2007; ha sido profesora invitada en la Universidad Woodbury de Los Angeles y Calpoly de San Luis Obispo (California) y es Profesora de Proyectos, Dibujo Arquitectónico e Historia de la Arquitectura en Cuesta College (California), UTA y TCC (Texas). Como investigadora, sus líneas de investigación se centran en el análisis de los procesos de comunicación, crítica y expresión en la arquitectura, con atención a la aplicación de las nuevas tecnologías en la docencia del dibujo arquitectónico. Es autora de libros docentes, múltiples comunicaciones en Congresos Internacionales de prestigio en Stanford (USA), Amberes (Bruselas), Dalian (China) o Italia, así como nacionales (EGA, JIDA, CriticAll, EURAU, Edulearn, etc.) y artículos de investigación en revistas como EGA, ZARCH, Rev. Arte, Individuo y Sociedad y Rev. de Arquitectura, entre otras. Como arquitecta, comenzó colaborando en estudios nacionales, como SMAO, PO2 y Soriano/Palacios, e internacionales como MVRDV. En 2007 fundó B2bConcept, una oficina colaborativa donde se desarrollan proyectos y concursos de arquitectura y entorno urbano.

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El objetivo de este libro es mostrar las relaciones que pueden existir entre las construcciones de los animales y el arte contemporáneo a través del análisis de aspectos funcionales y poéticos tanto en obras de arquitectura como en artistas plásticos. El desafío principal es trazar un mapa para cruzar las fronteras entre la creatividad humana y las soluciones en los distintos hábitats de los animales, sumando miradas, desde el arte y la ciencia ampliando nuestra noción de la estética y sugerir la unidad biológica del mundo.

Dicho enfoque coincide con criterios que defiende el propio trabajo de la autora, Laura Lio, como artista plástica, con búsquedas que han estado muy presentes en sus dibujos y esculturas. En este estudio ha buscado desarrollar una mirada zoológica crítica con una constelación creativa e interdisciplinar que incluye perspectivas típicamente ignoradas por los estudios sobre animales: su relación con el arte y la arquitectura para así avanzar en una comprensión mayor de las imbricaciones humanas y animales.

Laura Lio Martorelli
(Buenos Aires, 1967. Reside en Madrid desde 1990.) Se dedica a la investigación y a la creación en artes plásticas. Ha realizado esculturas, instalaciones, proyectos de Land Art y trabajado sobre papel en dibujo, artes gráficas y libros de artista. En el año 2015 crea PEZPLATA Ediciones, sello de libros de artista y material impreso con sede en su NavEstudio. En el 2016 realizó una estancia de creación en China, organizada por la Calcografía Nacional y el Instituto Cervantes de Pekín. En el 2018 y 2019 participó en dos proyectos en Suecia: Art meets Science en Harlösa y en (X) Sites, encuentro de Land Art. Varias de sus esculturas se encuentran en espacios públicos: O Grove (Pontevedra, España), el Odenwald (Darmstadt, Alemania), el Centro Franco Basaglia (Livorno, Italia) y en Strömsfors, Suecia. Sus obras se encuentran en colecciones tales como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid, Museo del Patio Herreriano, Ministerio de Asuntos Exteriores, Congreso de Diputados, Biblioteca Nacional de España, Ministerio de Cultura, Colegio de España en París, Fundación Endesa, Academia Española de Historia, Arqueología y Bellas Artes de Roma, Archivo Lafuente y Colección Circa XX, entre otras.

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Los principios de la producción industrial aplicados a la arquitectura comenzaron a tomar relevancia en una época similar a esta. Las crisis tras las grandes guerras, acompañadas por una pandemia, dirigió la mirada de los arquitectos del  movimiento moderno hacia la industria como solución a los problemas de una época. El espíritu de la máquina, la estandarización, el empleo de componentes prefabricados y el apoyo de la producción industrial constituirían la base sobre la que se construiría la nueva arquitectura.

Finalmente la industria siguió su camino y la arquitectura el suyo. Una vez superados los contextos de crisis, la eficacia en los procesos ya no eran tan necesarios. La arquitectura quedaba libre de toda restricción para entregarse a sus juegos formales y debates postmodernistas y quedar así relegada al nivel inferior de las industrias productivas.

De nuevo una situación de crisis económica y otra pandemia ha vuelto a poner el foco en la construcción industrializada. Volvemos a pensar que la arquitectura debe dar respuesta a los intereses y problemas de nuestro tiempo, ya no solo sociales, sino además medioambientales, a través de las tecnologías disponibles, y para ello, la construcción industrializada trae consigo seis propuestas de futuro.

Pablo Saiz Sánchez. Doctor Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura, UPM Madrid y pre-diploma en Arquitectura por la Barlett School of Architecture Londres. En 2007 funda, junto a su hermano, Francisco Saiz, Modulab, empresa enfocada en construcción industrializada, desde la que trabaja como arquitecto e investigador en el desarrollo de producto junto con industriales y empresas, simultaneado esta actividad con docencia en proyectos y construcción en la universidad pública y privada y la publicación de artículos y libros. Actualmente es socio fundador de Woodea, empresa dedicada a la construcción de vivienda colectiva sostenible y asequible utilizando las estrategias industriales para llevarlo a cabo, donde dirige el departamento de arquitectura, es además profesor de construcción en la Universidad Europea de Madrid. Es, además, autor del libro La casa Industrializada: un sueño incompleto.

Latinoamérica fue, sobre todo durante el periodo que va de 1930 a 1960, el perfecto laboratorio en el que ensayar a gran escala los principios arquitectónicos y urbanísticos del Movimiento Moderno. Especialmente influyente fue el magisterio de Le Corbusier, cuya gira de conferencias, primero en Buenos Aires en 1929 y después en Montevideo, Sao Paulo y Río de Janeiro, y sus posteriores colaboraciones en multitud de proyectos en Argentina, Chile o Brasil, ejercieron un fuerte impacto en los arquitectos y el público en general. Sus intuiciones sobre el colosal tamaño de los paisajes americanos y la consiguiente escala territorial de la arquitectura, que llega a confundirse con la ciudad entendida como infraestructura, derivaron en una serie de realizaciones autóctonas de enorme interés y singularidad.

Tras una larga y fecunda búsqueda de casos, Sálvora Feliz se centra en el estudio, clasificación y exposición de diversas experimentaciones de vivienda colectiva de media y alta densidad, casi siempre de dimensiones extralargas XL, especialmente en bloques longitudinales y bloques en galería, mostrando así los resultados construidos a partir de algunos planteamientos teóricos desarrolladas bajo las directrices de los CIAM y la Carta de Atenas. Las numerosas realizaciones que el libro recoge (que van desde el racionalismo más abstracto y ortogonal hasta los trazados más orgánicos y naturales) se organizan en seis capítulos que ponen orden en el variado conjunto de tipos, con Brasilia como proyecto cumbre de este periodo.

Sálvora Feliz
Doctora Arquitecta por la Universidad Politécnica de Madrid. Como investigadora ha generado publicaciones y participado en congresos internacionales, además de organizar jornadas científicas y formar parte de proyectos de investigación. En su producción arquitectónica destacan obras premiadas en los Premios Emporia, Premios del COAM y CTAV, IDA Design Awards, Cetem Design Awards o Bienal de la Fundación Arquia, entre otros; así como expuestas en las Bienales de Arquitectura de Venecia de 2021, 2018, 2016, la XII Bienal de Arquitectura y Urbanismo Española, La Casa Encendida o INJUVE. En el ámbito docente, se incorpora en 2018 como profesora ayudante del Departamento de Proyectos Arquitectónicos de la ETSAM. Además, ha sido profesora invitada en la Universidad Nacional de Educación a Distancia (desde 2015), Escuela de Arquitectura de Umeå (2020) y UC Berkeley (2019). Actualmente, es secretaria académica del Programa de Doctorado en Comunicación Arquitectónica de la UPM.

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«El mundo de la arquitectura contemporánea se ha ido alejando de forma cada vez más visible, con su increíble variedad de formas, aun las más absurdas y sorprendentes, de todo aquello que siempre ha servido para identificar una construcción como arquitectura y a identificar aquella arquitectura como perteneciente por derecho a un corpus que, habiéndose formado a lo largo del tiempo, es el único legitimado para encarnar su propia definición. Por eso, me ha parecido necesario, incluso indispensable para no tener que avergonzarme, comprometerme, en cuanto arquitecto que piensa, en contra de esta tendencia, no solo con mis proyectos sino también con la enseñanza y con mis escritos». (De la Introducción de Giorgo Grassi)

Una vida de arquitecto es un texto que conmueve por su sinceridad y por la voluntad de mostrar la realidad de una trayectoria sin engaños, autobombo ni edulcoraciones. En estas páginas repasa y analiza su propia obra, exponiendo con claridad sus firmes ideas acerca de la arquitectura, en el convencimiento de que esta es una disciplina auténtica, un mundo propio y una memoria, tanto personal como colectiva. Ese mismo reconocimiento y ese compromiso es el que Grassi, calificado elogiosamente como arquitecto inoportuno y maestro difícil e inimitable, encuentra en algunas obras «a contracorriente» de todos los tiempos, obras que revelan un compromiso primordial con la arquitectura, por encima de las demandas de la moda o del mercado. Esta especie de guía razonada se completa con un registro cronológico de sus proyectos y obras, ilustrado con imágenes y extractos de las memorias, al que el autor ha querido añadir, como prueba expresa de gratitud, un breve, y por fuerza incompleto, «álbum de los amigos».

La trayectoria de Giorgio Grassi (Milán, 1935) le hace acreedor, sin duda, de la condición de maestro de la arquitectura europea de la segunda mitad del siglo xx, por la coherencia de su pensamiento y por el rigor de su obra. Protagonizó, junto a Rossi, la renovación conceptual de la Tendenza italiana. Profesor de diseño arquitectónico en la FdA del Politecnico di Milano, también ha impartido clases en la FdA de Pescara, en la ETS de Valencia, en la EPF de Lausana y en la ETH de Zúrich. Miembro de honor del BOA (Bund deutscher Architekten) y de la lnternationale Bauakademie de Berlín, ha recibido el Premio de arquitectura de la Comunidad Valenciana (1985), la Medalla de Oro Heinrich Tessenow de la Stiftung FVS de Hamburgo (1992) y el Architektur-Preis Berlin (2003). Entre sus escritos destacan La construcción lógica de la arquitectura (1967) y La arquitectura como oficio (1974), y entre sus últimas publicaciones Scritti scelti 1965-1999 (2000) y Leon Battista Alberti e l’architettura romana (2007). Entre las publicaciones de sus obras destaca la monografía Giorgio Grass,i opere e progetti (Electa, 2004).

La obra y la trayectoria de José Miguel de Prada Poole son únicas en la historia de la arquitectura española contemporánea. Sus sorprendentes estructuras hinchables, soluciones de habitabilidad sostenible, leve y veloz, fueron el efímero cobijo de acontecimientos colectivos tan señalados como la Instant City de Ibiza o los Encuentos en Pamplona, en los que el experimentalismo más radical y colorido se abría paso en las grises postrimerías del franquismo. Prada Poole se constituye como uno de los arquitectos de la teoría contracultural arquitectónica, de las utopías construibles y, por supuesto, de la vanguardia española de los años 70.

Un tanto olvidado en las últimas décadas, el trabajo de Prada Poole, reconocido internacionalmente, ha sido objeto de una exhaustiva investigación por parte de Nuria Prieto, con el objetivo de definir una estructura de conocimiento que ponga de manifiestos su relevancia y originalidad. En esta publicación se enumera, describe y analiza su producción arquitectónica completa, construida o no, mostrando aspectos teóricos y procedimentales que permitan su comprensión. Un recorrido lleno de referencias que contextualiza cada proyecto. Una lección de arquitectura a la que es necesario mirar para seguir las huellas de lo que fue utopía y quizás ahora sea un futuro próximo.

Nuria Prieto

Arquitecta por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Coruña (2009), máster en rehabilitación (2010) y Doctora Arquitecta por la Universidad de la Coruña (2014). Ha sido profesora invitada en diversas escuelas como ESARQ Universidad Internacional de Cataluña, The Bernard and Anne Spitzer School of Architecture City College of New York, Escuela de Arquitectura de Tucumán, Escuela de Arquitectura de Sevilla, Escuela de Arquitectura de Madrid, Escuela de Arquitectura de Valladolid o Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Coruña. Ha desarrollado proyectos de investigación internacionales como “Gaza Denouncing by design” y entre sus publicaciones destacan artículos en Tectónica, Obra, AAAA magazine, Engawa o Arquitectura Viva. Ha desarrollado los contenidos y el montaje de la exhibición Unfinished para el pabellón español de la XV Bienal de Arquitectura de Venecia, galardonado con el León de Oro. Ha trabajado en varios estudios de arquitectura españoles reconocidos (Carlos Quintáns, Francisco Mangado & Asociados). En la actualidad desarrolla su actividad profesional independiente como arquitecta realizando proyectos públicos y privados. En su trayectoria destacan los premios Europan 13 (2015) o la selección de su tesis en el X Premio Arquia de Tesis Doctorales (2015), Premio Hume de Investigación 2016, Fundación Driehaus Runner Up (2017).

La obra y la vida de Pablo Palazuelo está determinada por dos viajes. A pesar de su temprana vocación por ser pintor, su padre le convenció de la necesidad de realizar una carrera universitaria. Por este motivo inició un primer viaje formativo que le llevó hasta la ciudad británica de Oxford para cursar estudios de arquitectura. Tras la concesión de una beca del Gobierno Francés, Palazuelo emprendió hacia París su segundo viaje. Un viaje iniciático donde logró el apoyo de los galeristas Maeght, y conoció a artistas de la talla de Braque, Calder, Giacometti, Miró o Chillida. En la capital francesa no solo desarrolló una intensa obra pictórica, sino que también la trascendió hasta los ámbitos de la escultura y la arquitectura.

A partir de los escritos, bocetos, dibujos, maquetas y esculturas que atesora la Fundación del pintor, esta publicación propone una investigación configurada en tres aproximaciones progresivas al proceso de trabajo elaborado por Palazuelo, materializadas en cada uno de los volúmenes editados.

En Cimientos de un pensamiento, se rastrean los fundamentos teóricos que sirvieron a Palazuelo para traducir a un lenguaje gráfico las transformaciones operadas dentro de una realidad cambiante. De los hallazgos obtenidos a partir de los numerosos libros que estudió se conservan numerosos escritos inéditos que han servido como estructura para organizar este ensayo. Sueños geométricos aborda el análisis de su obra dibujada, pintada y esculpida desde un punto de vista metodológico. En este estudio se confrontan las teorías desgranadas en el tomo anterior hasta proponer los tratados geométricos que aportaron un soporte regulador a las composiciones de Palazuelo. Finalmente, esta obra concluye con Umbral arquitectónico, donde el foco de atención se desplaza hasta el espacio arquitectónico para estudiar sus quince obras y sus quince proyectos más representativos. De esta manera, este escrito se cierra al proponer una nueva aproximación a uno de los artistas españoles más importantes del siglo xx desde una perspectiva poliédrica y multidisciplinar.

Gonzalo Sotelo Calvillo

Doctor arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid, con la tesis titulada “Análisis de la geometría de Pablo Palazuelo desde la visión del arquitecto”, que se adapta en la presente publicación. Actualmente es profesor en el Departamento de Ideación Gráfica Arquitectónica de la Universidad Politécnica de Madrid. Una actividad que compatibiliza con el puesto de Comisario en la Fundación Pablo Palazuelo, donde colabora como catalogador y comisario de exposiciones temporales. Previamente fue docente en la Universidad CEU San Pablo de Madrid. Ha colaborado en proyectos de investigación sobre Historia de los Jardines y Paisaje en el estudio de Carmen Añón, y también fue editor en la revista Arquitectura Viva. Su investigación se centra en las conexiones entre el arte y la arquitectura, y ha publicado varios ensayos en actas de congresos, catálogos de exposiciones y revistas, como Nexus Network Journal o EGA Revista de expresión gráfica arquitectónica.

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