Es difícil encontrar un ámbito social en el que la importancia del arte no se afirme con decisión. Lo que se entiende por “arte” en esas enunciaciones sirve bien a los propósitos de muchos grupos e individuos. La perspectiva que presenta este libro, sin embargo, es la contraria: toda práctica artística que merezca ese nombre se esfuerza denodadamente por alcanzar una situación imposible en la que el arte NO actúe sobre el mundo. En la medida que logra este objetivo, el arte adquiere preeminencia: no transforma el mundo, sino que lo crea. El mundo es un resto de la producción de la autonomía del arte (de su autonomización constante).

Este pensamiento paradójico y contrario a la intuición se formula aquí en varios contextos: el del arte propiamente dicho en su relación consigo mismo; el del objeto como símbolo del fracaso de la experiencia artística; el de la economía sacrificial en contraposición de la productiva; el de la política como destrucción de la realidad; finalmente, el de la muerte, puesto que la tarea del arte es, en última instancia, renovar la conciencia clara de su inevitabilidad y hacer la vida invivible.

Este libro cuenta con una introducción de Isidoro Reguera, que establece el contexto filosófico, y un epílogo de Daniel Lesmes, que proporciona una imagen de la interpenetración de la teoría y la práctica en la carrera del autor.

Manuel Saiz

Manuel Saiz es artista. Empezó su práctica en los años ochenta y desde entonces ha mostrado dibujos, pinturas, esculturas, fotografías, instalaciones, videos y performances en numerosos espacios públicos y privados, en festivales y bienales, nacionales e internacionales. También ha comisariado varias muestras y ha organizado encuentros entre artistas y pensadores. Es autor de libros críticos como 101 excusas. Como se legitima el arte (Londres, 2008) y One True Art 101 Ideas Clave (Berlín, 2013) y de libros de artista entre los que se encuentran Train Time (Huesca, 2011), Tit for Tat (Berlín, 2014) y Por mí, por todos mis compañeros y por mí el primero (Santiago de Compostela, 2016).

Reseñas: 

El País: https://elpais.com/cultura/2018/05/24/babelia/1527160487_030040.html

La Mirada Actual: http://lamiradaactual.blogspot.com/2018/05/manuel-saiz-autor-del-libro-el-arte-y.html

Détour: http://diarios.detour.es/literaturas/manuel-saiz-el-libro-de-las-preguntas-por-francisca-pageo

Código: https://revistacodigo.com/paperworks/6-libros-septiembre/

Formas de ver y de habitar están interrelacionadas en la representación fotográfica de la arquitectura. Más allá de las dos dimensiones de su soporte físico, la imagen contiene un espacio interior. Distinguimos visualmente elementos materiales y planos de profundidad, pero entre todos ellos hay otro tipo de espacios, hay vacíos. De modo similar al lenguaje binario que se expresa con secuencias de 0 y 1, nuestra mirada rastrea y separa objetos sólidos, espacios intermedios, huecos y silencios. Los recorridos de lectura se transforman en movimientos de introspección, provocados en el espectador para crear en él emociones físicas. Este espacio vacío es consecuencia directa de una acción del creador, cediéndoselo a quienes miran para su ocupación e interpretación. La cesión no es incondicional, no está exenta de conflicto. Conlleva una pugna y tensión permanentes, de enorme trascendencia para los procesos de construcción y habitación del espacio arquitectónico.

_marina _morón. Elena Morón Serna, Doctora Arquitecta, y Jesús Marina Barba, Doctor en Historia, dirigen _marina_morón, estudio profesional de arquitectura e imagen. Sus proyectos de investigación y creación se han dado a conocer a través de su actividad docente, en exposiciones —las últimas celebradas en París, Londres, Sevilla, Guangzhou—, y en publicaciones y congresos. Entre sus títulos más recientes destacan los libros Tras el muro blanco (2010), A_chroma (2012), Sintagmas cromáticos (2012) y K: emptiness (2015).

Premios: 

Premio Investigación XIV Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo 2018

FINALISTA en los Premios FAD 2019 en la categoría de Pensamiento y crítica. 
https://arquinfad.org/premisfad/edicions-anteriors/?edicio/2019/obra/10233/ 

Reseñas: 

Moon Magazine: https://www.moonmagazine.info/vacios-adjetivos-marina-moron/

ZARCH  No.11 (2018)

Club de lectura:  
https://www.instagram.com/p/CK11PpvKtia/?hl=es 

Los fundamentos de la arquitectura, hasta hace algunos años vanguardistas y dogmáticos, están siendo profundamente revisados. Esto se aprecia en aspectos diversos como la renovada preocupación por el usuario, la creciente valoración del patrimonio arquitectónico heredado, el retorno de la ornamentación, la búsqueda de calidez de los espacios, la personalización de los ambientes o el uso de materiales naturales.

Nikos Salíngaros expone, con concisión y claridad, una teoría que permite entender todos estos hechos como partes de un mismo fenómeno. Esta teoría se puede llamar unificada porque describe y ayuda a comprender los diferentes estilos arquitectónicos. El análisis es objetivo, libre de prejuicios filosóficos, ideológicos o políticos. Siguiendo las teorías de Christopher Alexander y basándose en profundos conocimientos matemáticos y científicos, explica la raíz de las formas y su relación con el ser humano, expone las proporciones de la arquitectura, desentraña la escala universal subyacente a las estructuras que consideramos “vivas” y muestra los avances de las neurociencias en el estudio de la relación del ser humano con el ambiente construido. También, no sin ironía, aporta una visión completa de la neovanguardia arquitectónica actual, enredada en alambicadas discusiones académicas sin verdadero apoyo teórico.

La arquitectura que defiende Salíngaros es mucho más que una carrera por la originalidad formal. Es el fruto de una disciplina y una metodología que reintroduce al ser humano en la naturaleza, se ocupa de su configuración fisiológica y psicológica (o espiritual), dando al lector una perspectiva completa y refrescante que cambiará para siempre su visión sobre la arquitectura.

Reseñas: 

Bailar sobre arquitectura: https://bailarsobrearquitectura.com/tag/christopher-alexander/

Plataforma Arquitectura: https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/887994/forma-lenguaje-y-complejidad-ediciones-asimetricas

Euro Mundo Global: https://www.euromundoglobal.com/noticia/415103/cultura/arquitectura:-forma-lenguaje-y-complejidad.html

La Mirada Actual: http://lamiradaactual.blogspot.com/2018/01/arquitectura-forma-lenguaje-y.html 

Y si consagrar (sacrare) era el término que designaba la salida de las cosas de la esfera del derecho humano, profanar significaba, a la inversa, devolver las cosas al libre uso de la gente.

Giorgio Agamben, Elogio della profanazione.

Devolver al libre uso del común la obra de Le Corbusier en Ronchamp: tal sería el deseo de este Breviario.

Le Corbusier padeció en 1948 el fracaso de su proyecto de la Sainte-Baume, fulminado por la prohibición de las autoridades de la Iglesia católica francesa. Pero en el cruce entre el camino de tierra, por donde entraban en lo que sería Francia las poblaciones nómadas desde la Prehistoria, y el camino del agua, que une las fuentes y los cursos del Rin y del Ródano, Le Corbusier consiguió convertir una vieja capilla católica en un monumento a la presencia humana, identificada con la línea vertical que crea nuestro cuerpo en pie sobre la tierra, ligándolo a ese otro monumento que él mismo levantó muy cerca de aquí: la torre de control de la esclusa Kembs-Niffer, que dirige la marcha horizontal de las aguas.

Premios: 

Finalista FAD Pensamiento y Crítica (2018)

Finalista Bienal XI Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo (BIAU) (2019)

Reseñas: 

ABC Cultura (Domingo 6 de enero de 2019): "Barcelona: lecciones impertinentes

ArquitecturaViva 203 (2018)

Veredes: https://veredes.es/blog/breviario-de-ronchamp-2/

El Cultural: https://elcultural.com/Josep-Quetglas-La-cultura-y-la-vida-no-quieren-formar-parte-del-mercado

Premis FAD: http://arquinfad.org/premisfad/en/previous-editions/?edicio/2017/obra/9145/

La Mirada Actual: http://lamiradaactual.blogspot.com/2018/02/josep-quetglas-autor-del-libro.html

Plataforma Arquitectura: https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/885998/breviario-de-ronchamp-proxima-aparicion

Ruby y los casinos: http://rubyyloscasinos.blogspot.com/2018/02/arquitectura-frontera.html

“Es quizás el más grande artista del momento, y no os estáis dando cuenta”, declaraba Picasso sobre Sironi en 1959, tal como atestigua Elena Pontiggia en el epílogo a la presente edición. Por su parte, Carlos García-Alix escribe en el prólogo: “La publicación de los escritos y pensamientos de Mario Sironi, por vez primera en nuestra lengua, es un acontecimiento que viene a reparar una cierta injusticia. En las últimas décadas la nómina de pintores italianos de la vanguardia que han visto sus escritos publicados en España ha ido creciendo de forma paulatina. Hablamos de artistas que desarrollaron su trabajo pictórico en la primera mitad del siglo xx, y a la vez, o en paralelo, escribieron manifiestos, memorias, ensayos, poemas o simplemente crearon una obra literaria independiente de su pintura. Sin embargo, uno de los pintores italianos más grandes, con una obra escrita considerable, Mario Sironi, ha permanecido mudo en nuestra lengua”. Protagonista de una vida trágica, Sironi (1885-1961) es un escritor brillante, cuyos textos expresan un ideal estético y espiritual basado en la búsqueda de un equilibrio entre lo viejo y lo nuevo. Tanto en sus textos teóricos como en los que dedica a los maestros antiguos y modernos, realiza una doble defensa de la vanguardia frente a los retrógrados, y de la tradición frente a los oportunistas.

Mario Sironi

Mario Sironi (Sassari, Cerdeña, 1885; Milán, 1961) entabló amistad con Severini, Balla y Boccioni en la Academia de Bellas Artes de Roma. Tras unirse en 1915 al futurismo, figurará en 1922 entre los fundadores del movimiento Novecento. Su talento literario queda patente en proclamas como Contra todos los retornos en pintura (1920) o Manifiesto de la pintura mural (1933). Las dramáticas vicisitudes de su vida pública y privada, que incluye la participación en las dos guerras mundiales y el suicidio de su hija Rossana en 1948, dejaron honda huella en su pintura, recorrida por una extraordinaria tensión constructiva.

Reseñas: 

Détour: http://diarios.detour.es/literaturas/mario-sironi-luz-golpea-francisca-pageo

ArchDaily: https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/885997/escritos-pensamientos-y-poemas-proxima-aparicion

Charles Baudelaire, bardo indiscutible de la modernidad artística del siglo XIX, azotado por una vida de privaciones, tormentos e inadaptación física y existencial muere el 31 de agosto de 1867. Entre sus múltiples obras (poesía, prosa, crítica literaria y artística, periodismo) son muchas las contribuciones en las que se destacan temas centrales de la cultura del siglo XIX. Y si la “modernidad” deviene, en las mismas definiciones del autor, un territorio ambiguo y poco sujeto a atribuciones categóricas, se puede considerar la “ciudad” —y más específicamente París, la gran capital de la segunda mitad del siglo XIX—, como una de sus manifestaciones más llamativas y contradictorias. Una ciudad que justamente en esos años está cambiando radicalmente, a causa del proceso de reformas urbanas puesto en marcha por el equipo del Barón Haussmann, a partir de 1853. De hecho, Baudelaire intentará colocarse al mismo tiempo “dentro” y “fuera” de esta nueva metrópoli, aspirando a una sutura imposible entre las aspiraciones libertarias de lo subjetivo y las constricciones de lo objetivo contemporáneo. Una coexistencia entre extremos que, en su caso, resultará ser profundamente conflictiva y desgarradora; una colisión incesante que impregnará tanto la biografía como la obra artística de dicho autor. Baudelaire y París forman un todo; y no se trata simplemente de la intromisión activa de los temas urbanos en el crisol de la creación, sino de la relevancia de una intrincada correspondencia entre los dos ámbitos: por un lado, la desesperante aglomeración urbana del presente y, por otro, su ineludible transfiguración artística.

Antonio Pizza  

Profesor de Historia del Arte y la Arquitectura en la Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelona. Ha comisariado diversas exposiciones, siendo editor de los catálogos correspondientes. Colabora regularmente con publicaciones nacionales e internacionales sobre temas relacionados con arte, literatura, arquitectura y cine en los contextos metropolitanos. Entre sus últimas publicaciones, como autor: Chicago – Nueva York, Teoría, Arte y Arquitectura entre los siglos XIX y XX (con M.Pla, Madrid 2012); Las Ciudades del Futurismo Italiano. Vida y arte moderno: Milán, París, Berlín, Roma (1909-1915) (Barcelona, 2014); Historia del Arte y de la Arquitectura moderna 1851-1933, (con C. García, Barcelona 2015); Immaginare il Mediterraneo. Architettura, Arti, Fotografia (con A.Maglio y F.Mangone, Napoli 2017).

Premios: 

Finalista FAD Pensamiento y Crítica (2018)

Reseñas: 

En el filo de la navaja es un libro hecho de afectos, sobre todo del apego a los objetos —a determinados objetos— y a sus imágenes. A fin de revisar episodios en los que el arte y la arquitectura se entremezclan con especial intensidad, Enric Llorach acude a la figura del anacronismo como herramienta de aproximación y análisis. Concepto rescatado por George Didi-Huberman para la escritura de la historia, el anacronismo refiere la intrusión de una época en otra, y entre las consecuencias de su puesta en valor se encuentra la legitimación de toda aquella subjetividad que media entre la realidad y su interpretación, entre ellas la memoria y el montaje. Una vez admitido el anacronismo, la verdad como tal —en su acepción más racional y autorizada- deja de tener primacía y en su lugar se abre paso una invitación al diálogo.

Así, se examina el Antropoceno colocándolo en relación retrospectiva con las fotografías de Gabriele Basilico, la Spiral Jetty de Robert Smithson o las perforaciones de Gordon Matta-Clark. Se viaja entre los periodos moderno, posmoderno y contemporáneo de la mano de fotógrafos y arquitectos como Henri Cartier-Bresson, Walker Evans, Le Corbusier, Robert Frank, Aldo Rossi, Jeff Wall y Steven Holl. Se reelabora el concepto de la mímesis junto a Rosemary Laing, Francesca Woodman, Andrei Tarkovski, Anna y Eugeni Bach y Eduard Bru. Se matiza el minimalismo de Herzog & de Meuron en los noventa explorando la influencia de la obra plástica de Rémy Zaugg en la de los arquitectos suizos. De la aplicación del método paranoico-crítico de Dalí y su interpretación delirante del L’Angélus de Jean-François Millet brota un caudal formal inesperado que inunda la obra de Rem Koolhaas. Se traza también un puente entre la obra de Andy Warhol y la del pintor alemán Gerhard Richter para mejor interpretar la obra de los arquitectos británicos Caruso St John y Sergison Bates. Entre todas estas iluminaciones cruzadas, Le Corbusier emerge como el verdadero protagonista del libro, presentándose como un arquetipo de lo anacrónico en lugar del ciego apóstol de la modernidad que todos conocemos.

¿Ha muerto la arquitectura? Tras la era de la arquitectura del espectáculo, ¿es posible comenzar de nuevo? Hoy, cuando la virtualidad se cobra innumerables víctimas en forma de almas sin cuerpo, la realidad que ofrece la arquitectura nos brinda un asidero firme en ese descenso irrefrenable hacia lo inmaterial. La arquitectura nos permite sentir una especial continuidad con el mundo. Al hacernos conscientes de los hechos elementales de la vida o al mostrar la mera relación con el universo, la arquitectura se hace presente.

Pocos “bocados de realidad” pueden ser saboreados a lo largo de un día, pero todavía sentimos la necesidad de volver a casa tras una larga jornada delante de trillones de unos y ceros retroiluminados a sesenta hertzios. Como un charco que fuerza nuestros pasos y con algo de fastidio nos obliga a saltarlo, lo real nos estimula como vivencia. La arquitectura y la ciudad se han convertido en el penúltimo refugio de la realidad, un reducto donde sentirse vivo: esa es la arquitectura que la vida reclama.

Tal vez la arquitectura deje de ser necesaria cuando ya no ofrezca lo que Sartre llamaba “alegría estética”, es decir, un especial tipo de placer que recibe el hombre al perfeccionarse conociendo lo que le rodea y a sí mismo. Pero aún no ha llegado ese tiempo sin alegrías. Este libro de Santiago de Molina es una invitación a comprobar que el campo de acción más propio de la arquitectura es precisamente el hombre en su cotidianeidad. Que la arquitectura tiene mucho futuro. Que, por supuesto, sigue habiendo hambre de arquitectura, pero de una arquitectura real.

Santiago de Molina

Arquitecto y educador. Premio extraordinario de Doctorado, compagina sus labores docentes con el trabajo en su oficina de arquitectura. Su obra construida ha sido seleccionada en la Bienal de Arquitectura y Urbanismo Española 2013. Ha publicado los libros Arquitectos al margen y Collage y Arquitectura, seleccionado éste último en los premios FAD de Arquitectura y Crítica 2015. En Ediciones Asimétricas ha publicado el título Múltiples estrategias de la arquitectura.

Reseñas: 

“No hay nada como mirar el hacer para saber qué significa el decir”, escribe Gómez de Liaño en una de las páginas de este libro, que recoge —desde un ya lejano 1977 hasta la actualidad, e incluyendo algunos escritos inéditos— los mejores ensayos de crítica del autor, observador sutil de acerado bisturí analítico, cuya erudición enciclopédica solo puede equipararse a su infinita curiosidad.

A partir de un cercano y apasionado conocimiento del artista y la obra glosados en cada ocasión, y con la honesta intención de atreverse a presentar creadores y creaciones empleando palabras que no sean las del agente de ventas o el maestro de ceremonias, los textos trazan, también, el inventario de una sensibilidad personal, una cartografía de los intereses del propio Liaño, hasta revelar un retrato biográfico arcimboldiano en el que se enhebran temas como el símbolo, la imagen y la imaginación, la realidad, la memoria, Giordano Bruno, el impulso romántico, las vanguardias, Dalí, la vanitas, lo monstruoso, el mercantilismo, lo incógnito, los sistemas de conocimiento…

Escritos con alegría y frescura notorias, intentando unir la lógica de los conceptos con la lógica de los afectos, los textos son fruto de la esperanza de compartir el regocijo que la obra le produce y la riqueza de las reflexiones que esta desencadena, y tienen la rara, por inhabitual, virtud de ser amables y generosos con el lector.

Ignacio Gómez de Liaño

(Madrid, 1946) Filósofo, poeta, novelista, ensayista, diarista y traductor. Doctor en Filosofía, ha sido profesor universitario de Estética, de Filosofía y de Teoría Sociológica. En permanente estado de combustión creativa, durante las décadas de 1960 y 1970 desarrolló una gran actividad en el campo de la poesía experimental de vanguardia y exploró las posibilidades de un arte cibernético. Más tarde vendrían los viajes por todo el mundo y la dilatadas estancias en Oriente. Hoy, con más de una treintena de libros publicados, la obra de Ignacio Gómez de Liaño es un hito en el panorama español, punto de paso necesario y referencia imprescindible.

Reseñas: 

Euro Mundo Global: https://www.euromundoglobal.com/noticia/420001/cultura/libro-de-los-artistas-un-recorrido-estetico-autobiografico-de-ignacio-gomez-de-liano.html

Artes Hoy: http://www.arteshoy.com/?p=9996

Détour: http://diarios.detour.es/literaturas/ignacio-gomez-liano-arte-la-vida-francisca-pageo

El Cultural: https://elcultural.com/Gomez-de-Liano-aristocrata-intelectual

Euro Mundo Global: https://www.euromundoglobal.com/noticia/391079/cultura/libro-de-los-artistas.html

La Mirada Actual: http://lamiradaactual.blogspot.com/2019/07/libro-de-los-artistas-un-recorrido.html

La Verdad: https://www.laverdad.es/murcia/culturas/201701/17/aceptar-partidos-independentistas-20170117011344-v.html

Según el artista Perejaume, el concepto de "sospecha de estiércol" se basa en el convencimiento de que toda obra humana tiene como fin último la desaparición, incluso aquellas obras que parecían destinadas a una duración extraordinaria. En este sentido, se compara el fondo de olvido al que van a parar todas las obras con los depósitos agrícolas de estiércol que, como almacenes indiscriminados de residuos orgánicos, a su vez constituyen un sustrato nutriente, un origen de fertilidad que, con el tiempo, alumbrará obras nuevas.

Este ensayo de Josep Llinàs indaga en esa "sospecha de estiércol" aplicada a una de las obras más enigmáticas del arquitecto Josep Maria Jujol: la Casa Mañach, una ferretería situada en el centro de Barcelona construida en 1911 y que desapareció años después. En una original combinación, entre el ensayo histórico y el análisis iconográfico, Llinàs no solo resitúa esta obra de Jujol en la posición que le corresponde, sino que demuestra que, a pesar de su breve existencia, la Casa Mañach contiene ese sustrato vital único capaz de alumbrar otras obras nuevas.

Josep Llinàs 

Arquitecto por la Escuela de Arquitectura de Barcelona, donde es profesor, así como de la Escuela del Vallés y de la Universidad Ramón Llull. Ha publicado estudios sobre Josep Maria Jujol, José Antonio Coderch y Alejandro de la Sota. En 2006 obtuvo el Premio Nacional de Arquitectura y en 1995 el Premio Ciudad de Barcelona de Arquitectura. Asimismo ha recibido tres veces el Premio FAD, en 1977 en la categoría de interiorismo, en 1996 por la restauración del Teatro Metropol de Tarragona y en 2006 por la Biblioteca Jaume Fuster de Barcelona. 

Premios: 

Premio FAD Pensamiento y Crítica (2016)

Reseñas: 

Ara.cat: https://www.ara.cat/suplements/diumenge/Llinas-mira-jujol_0_1505849413.html
Jaume Prat: http://jaumeprat.com/sospecha-de-estiercol-un-libro-de-josep-llinas/
ArquitecturaViva 182 (2016)