En tiempos de fugacidad, en los que la emoción envejece antes de alcanzar la conciencia, es necesario que el individuo se decante por el ser en el mundo: encaminarse en la búsqueda de la memoria. En los límites de la memoria se descubre el jardín japonés como una malla trascendente tejida con una ascesis y una estética que no parecen ser de este mundo. El jardín japonés se asemeja a la naturaleza en tanto en cuanto toma las formas y los elementos del paisaje, pero se aleja del exuberante y caótico mundo percibido. La naturaleza se evoca en el jardín japonés  pero esta recreación estética del paisaje siempre está intentando alcanzar lo sagrado.

Este libro no quiere ser una descripción minuciosa ni una catalogación de los distintos tipos de jardines que se han construido en los últimos mil años en Japón. Es un estudio que, desde la mirada como concepto fenomenológico principal y haciendo una clara distinción entre el ver y el mirar, se fundamenta en los principios filosóficos y estéticos de la cultura japonesa.

Para explicar lo que sucede en estos espacios exteriores, siempre asociados a la vivienda y a su habitar, se recurre a la geometría y se estudian minuciosamente los conceptos básicos de esta ancestral cultura atendiendo a la inseparabilidad de las distintas manifestaciones artísticas: la poesía haiku; las anécdotas y poemas del famoso Genji Monogatari; la pintura de las distintas épocas y, en especial, al conocido movimiento pictórico ukiyo-e que tuvo su auge en la primera mitad del siglo XIX. Y para hacer comprensible la estructura espacial de los jardines a los estudiosos occidentales, el análisis no se circunscribe solo al mundo japonés pues se apela a temas antropológicos, se utiliza la filosofía occidental, la fenomenología de Gastón Bachelard o la poética de Antonio Muñoz Rojas y Octavio Paz, etc. Este es, en resumen, un viaje inciático por el jardín japonés, acaso nunca realizado antes.

Informe Guernica es una contribución al estudio del lienzo de Pablo Picasso a partir de su gestión, exhibición, reproducción y representación. El libro se articula mediante una serie de episodios que tienen lugar entre 1939 y 1958 principalmente, en el marco de los primeros veinte años en que el cuadro estuvo depositado en el MoMA de Nueva York. A través de dichos episodios se analiza el constructo Guernica, que queda ahí fijado y que con actualizaciones de orden coyuntural sigue operando todavía. En este sentido, este libro no se adentra tanto en la dimensión artística de la obra como en la relación entre original y copia, entre la experiencia en el museo y el uso y consumo de su imagen dentro y fuera de la institución, de manera que la pregunta acerca de qué es Guernica se desplaza para ser respondida teniendo en cuenta quién lo reclama o en qué escenario aparece el lienzo o su copia. En cuanto obra icónica del siglo XX, el libro es un intento por considerar Guernica como factor de interpretación del mundo que atraviesa.

Rocío Robles Tardío

Doctora en Historia del Arte y Profesora en el Departamento de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. Sus líneas de investigación se centran en la revisión de los agentes y los escenarios del arte de la primera mitad del siglo XX, con especial atención a la construcción del relato de la vanguardia y la relación entre arte y política. Otro tema de interés es la figura de Pablo Picasso, de quien ha publicado diversos artículos y ediciones antológicas de su recepción critica. Ha formado parte del equipo del proyecto digital Repensar Guernica del Museo Reina Sofia; en dicho museo disfrutó de una Beca de investigación en su Departamento de Exposiciones y fue miembro del equipo curatorial de la exposición Encuentros con los años 30.

Con la habitual agudeza crítica y rigor investigador de Josep Quetglas, el libro documenta exhaustivamente los antecedentes, el encargo, el desarrollo y modificaciones de los sucesivos proyectos, los presupuestos en los que Le Corbusier profundizaba en la definición material de la casa y la construcción. También se trata la azarosa vida de esta obra, que incluye la ocupación por las tropas alemanas y después americanas, el abandono posterior, el intento de expropiación y demolición por parte del ayuntamiento de Poissy, la declaración como monumento histórico por Malraux y la restauración del propio Le Corbusier de este edificio icónico de la arquitectura del siglo XX y pieza absolutamente clave de la arquitectura racionalista del Movimiento Moderno.

** ADVERTENCIA. Los ejemplares que se ponen a la venta bajo el sello editorial de Ediciones Asimétricas son las últimas existencias de la segunda y última edición del libro, hasta el momento, por lo que se pueden encontrar algunos fallos menores debido a la antigüedad y al paso del tiempo.**

Los escritos que aquí se recogen (rematados por un diálogo con Kenneth Frampton donde se habla de la intensidad en la Arquitectura) son fruto de las clases impartidas por Campo Baeza en la ETSAM, su querida Escuela de Arquitectura de Madrid, y en otras muchas escuelas a lo largo del mundo, tras un reposado tiempo de maduración durante estos últimos años. “El intento de estos Principia es elaborar un texto básico, resumen y síntesis de los temas clave con los que seguimos trabajando y que entendemos, cada día con más claridad, como centrales de la Arquitectura. Que no son tanto solo descubrimientos personales como temas esenciales de la propia Arquitectura”.

Aunque los temas tratados son diversos, Campo Baeza ha querido hacer hincapié en aquellos que tienen una relación directa con sus obras: la luz, la tierra, lo substancial, la poesía, la precisión, la ligereza, el plano horizontal, la esquina, los materiales, la construcción, las estructuras, la memoria, los artefactos, la naturaleza, el tiempo... Porque sus obras, sus proyectos y sus clases se han desarrollado al calor de estos temas, pero a su vez casi todos estos temas han nacido al hilo de su obra construida (y de algunos proyectos que nunca llegaron a ver la luz). Así, aunque convencido de que no es posible una Arquitectura que no tenga su origen en las ideas y la razón, tampoco cree en una Arquitectura que no tenga la voluntad de ser construida, que no tenga como fin el ser obra construida. En este mismo sentido afirma Campo Baeza: “si estos pensamientos son la razón de mi arquitectura, no puedo ‘esconderme’ a la hora de desplegarlos. Aunque algunos amigos me reclamen una mayor asepsia. Nunca la creación artística fue aséptica”.

La encrucijada palabra-imagen delimita uno de los campos de estudio más profundos, extensos e inagotables que puedan acometerse. Fiel al título de la colección en que se aloja, este volumen constituye una fulgurante inmersión en la sima donde lo visual y lo verbal entretejen sus raíces. De la mano de Magritte, Braque, Duchamp, Johns, Kandinsky, Miró, Picabia, Schwitters, Twombly..., los artífices de Escribir y dibujar, en el fondo, no son lo mismo —paráfrasis de una célebre frase de Paul Klee— exploran la dimensión plástica de la escritura en el marco de la pintura del siglo xx, “un ámbito que puede ser tratado desde numerosos puntos de vista, algunos de los cuales han merecido atención reiterada desde la filosofía o la historiografía”. Acerca de este trabajo, fruto de la colaboración del crítico catalán Martí Peran y del investigador gallego Anxo Rabuñal, el escritor Julià Guillamon afirma en su epílogo: “No sólo se trata de un ensayo iluminador, de referencia en el tema que aborda: es también un modelo de libertad, creatividad y rigor”.

Anxo Rabuñal

Investigador privado y editor intermitente, librero en Novaniké y paseante. Coeditor de Favorita y de Trilateral, editor del Teatro Proletario de Cámara, entre sus publicaciones: Barcelona murs (con Genís Cano, 1991); O lado da sombra: sedición gráfica e iniciativas ignoradas, raras ou desacreditadas (2005), Català-Roca en Compostela (2014), O problema da existencia (2015) y Cómo se cuelga un cuadro (2017).

Martí Peran

Profesor de Teoría del Arte de la Universidad de Barcelona, coeditor de la revista Roulotte y autor de Indisposición General: Ensayo sobre la fatiga (2016). Entre sus proyectos curatoriales figuran Post-it city: Ciudades ocasionales (2008-2011), Esto no es un museo: Artefactos móviles al acecho (2012) y After Landscapes: Ciudades copiadas (2015).

Julià Guillamon

Crítico del diario La Vanguardia, comisario de exposiciones (Literaturas del exilio, 2005) y autor de textos como La ciutat interrompuda: De la contracultura a la Barcelona postolímpica (2001) y El dia revolt: Literatura catalana de l’exili (2008).

José Luis Gallero

Ha publicado, entre otros libros, Antología de poetas suicidas (1989 y 2005), Solo se vive una vez: esplendor y ruina de la movida madrileña (1991) y Heráclito: Fragmentos e interpretaciones (2009).

Es sorprendentemente amplia la influencia que doctrinas como la teosofía, la antroposofía, la alquimia, la cábala o el ocultismo han ejercido sobre muchos artistas plásticos del siglo XX, a menudo aportándoles teorías y conceptos que les permitieron crear una obra muy personal y llena de originalidad. Sin embargo, la relación entre arte y esoterismo ha sido un asunto marginado durante largo tiempo por la historiografía, poco estudiado en las universidades españolas y con muy escasa bibliografía dedicada al tema. Esoterismo y arte moderno. Una estética de lo irracional pretende cubrir este vacío mediante el estudio detallado de numerosos artistas, vinculados principalmente a las vanguardias históricas pero también a otros movimientos pictóricos, que se interesaron por diversas corrientes místicas y esotéricas.

El libro se divide en dos partes: la primera traza una historia del esoterismo occidental, repasando sus más importantes momentos, ideas y protagonistas desde la época helenística hasta el siglo XX; la segunda analiza el influjo en el arte moderno de las escuelas esotéricas más relevantes, mediante una cuidadosa selección de tendencias, pintores y obras que reflejan la asimilación de esas creencias, lo que demuestra la fertilidad de estas doctrinas en su encuentro con las artes.

Iván Gómez Avilés

Iván Gómez Avilés (Madrid, 1979) es licenciado en Historia del Arte y Traducción e Interpretación por la Universidad Complutense de Madrid. Es experto en arte y esoterismo. En 2007 realizó una investigación en el Museo de Artes Aplicadas de Viena sobre la influencia de la antroposofía en el artista austriaco de origen húngaro Edmund Moiret. En 2008 fue becado por la Sociedad Antroposófica General (Dornach, Suiza) para estudiar la arquitectura y geometría del Goetheanum, obra de Rudolf Steiner, y entre 2010 y 2013 investigó sobre arquitectura antroposófica en la Universidad de Stuttgart. Ha publicado Geometría y esoterismo: el edificio del Goetheanum - Fuentes para el estudio de la arquitectura de Rudolf Steiner y de la influencia de la teosofía, la antroposofía y otros movimientos esotéricos en el arte moderno (2015).

Este libro recoge una minuciosa investigación sobre las arquitecturas de las Ferias del Campo, cuyo desarrollo tuvo lugar entre las décadas de los 50 y los 70, que generaron lo que hoy se puede entender como un verdadero paisaje expositivo. El conjunto tiene un enorme valor, tanto por su cuidadoso trazado paisajista, perfectamente integrado en la Casa de Campo, como por sus singulares edificaciones, que constituyeron un verdadero laboratorio experimental de arquitecturas modernas. Los arquitectos Cabrero y Ruiz, además de Sota, Fisac, Aburto, Romaní,  y otros muchos, consiguieron conjugar brillantemente en las Ferias del Campo la decidida renovación estilística y constructiva que en aquellos momentos el país necesitaba con la intención de mantener cierta continuidad con la arquitectura popular.

El objetivo del libro es condensar el contenido de la tesis doctoral de la que surge en un formato divulgativo de fácil lectura, con numerosas imágenes originales y planos realizados por el autor a partir de la documentación encontrada, que permita el conocimiento de las arquitecturas del recinto y su relación con la ciudad, poniendo en valor la excepcional singularidad y calidad del mismo. Prueba de ello es la protección general del conjunto como parte del BIC de la Casa de Campo, además de los diversos niveles de protección que merecen casi medio centenar de edificios.

Hoy, a pesar de su casi fantasmal estado —entre la ruina, el abandono y la reutilización puntual y en ocasiones descuidada de los edificios que aún se mantienen en pie—, este ámbito sigue configurando un paisaje de exposiciones de extraordinario potencial. Su estratégica situación entre la Casa de Campo y el parque Madrid-Río abre un amplio abanico de oportunidades de actuación. Recuperarlo, implementando un plan de revitalización que incorpore un nuevo programa de actividades que combinen el ocio, la cultura, la formación, la producción y la participación ciudadana, devolvería a Madrid un conjunto patrimonial de arquitectura contemporánea de primera importancia.

Club de lectura: 
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Con motivo de la celebración de los 100 años del nacimiento del maestro Francisco Javier Sáenz de Oíza, un 12 de octubre de 1918, hemos reunido los textos de cuatro generaciones de arquitectos alumnos, compañeros y amigos que nos aproximan a la personalidad del maestro, a su compromiso con la creación, con la enseñanza y con una vida dedicada a la arquitectura. Estas generaciones empiezan a finales de los años 20 hasta entrados los 60. Entre ellos se encuentran nombres ilustres de la arquitectura española.

Oíza se convierte en una estimulante figura, narrada por su pasión, intensidad y energía, como minucioso descifrador del proyecto de la arquitectura y constructor de conocimiento que ayuda a entender la devoción y el respeto que inspiran su persona y obra.

Este libro quiere contribuir al reconocimiento del maestro Oíza y su papel destacado en la arquitectura y la cultura española contemporánea.

Coordinadora: Aurora Fernández

Autor@s de los textos: Antonio Fernández Alba, Jesús Bermejo, Eduardo Mangada, Rafael Moneo, Ricardo Aroca, Javier Seguí, Sebastián Araujo, Francisco Alonso, Javier Vellés, Jaime Nadal, José Manuel López-Peláez, Margarita de Luxán, Alberto Campo Baeza, Gabriel Ruiz Cabrero, Antón Capitel, Miguel Martínez Garrido, Mª. L. López Sardá y J. C. Velasco, Jesús Perucho, Luis Fernández Galiano, Javier Mosteiro, Francisco Arqués, Juan Herreros, Javier Sáenz Guerra, Álvaro Soto, Emilio Tuñón, Luis Martínez Santa-María, Suso Aparicio, Silvia Canosa y Eva Hurtado, Antonio Ruiz Barbarín.

La Mirada Actual: http://lamiradaactual.blogspot.com/2018/12/oiza-100-anos-centenario-de-un.html
ArquiMagazine: http://www.arquimagazine.com/libros/libros-recibidos/
Euskonews: http://www.euskonews.eus/zbk/738/oiza-100-anos/ar-0738001003C/
Radio Euskadi, entrevista a Aurora Fernández: https://www.eitb.eus/es/radio/radio-euskadi/programas/iflandia/audios/detalle/6215020/la-soprano-ainhoa-garmendia-arquitecto-saenz-oiza/ 
ArquitecturaViva 211 (2019)

“Entre la variada tipología que puede aplicarse al género humano existe un grupo de seres para quienes ver consiste en sorprenderse continuamente. Pertenezco a este grupo. Y supongo que los que, a lo largo de la historia, se han dedicado al escrutinio de lo visible pintores, fotógrafos y cineastas pertenecieron a esta especie. De ahí que nunca haya podido remediar seguirle el rastro a ese asombro en otr@s a través de los testimonios que han dejado”. (Eva Lootz)

Tener el azúcar bajo llave reúne una serie de textos, en gran medida inéditos, que dan fe de esta afirmación de la artista. Al expresar su desconfianza en una mirada frontal, Eva Lootz invita a advertir hasta qué punto la visión está trabajada por las convenciones de cada época y que el eje de la visión no puede ser confiado sino a una atención alerta e implacable.

Eva Lootz

Eva Lootz es artista plástica. Estudió Bellas Artes, Musicología, Cinematografía y Filosofía. Su trayectoria artística se ha desarrollado principalmente en España. Pertenece a la generación que renovó la escena escultórica en los años setenta y ochenta, a través de planteamientos que tendían a la ampliación del concepto del arte y a la literalidad de los procesos. Su obra, en la que existe un marcado interés por la interacción de materia y lenguaje, se caracteriza por la utilización de registros heterogéneos. Su obra suele interpretarse como una reflexión sobre la intervención humana en la naturaleza. Trabaja con materiales como el mercurio, el carbón, la arena, la madera... con los que construye un discurso en torno a la memoria, al tiempo y a los problemas esenciales del hombre. Ha recibido numerosos premios entre los que cabe destacar el Premio Nacional de Artes Plásticas, en 1994 y el Premio MAV de las Mujeres en las Artes Visuales en 2010. Su obra puede encontrarse hoy en prestigiosas colecciones privadas y públicas. 

Reseñas: 

M-arte y cultura visual: http://www.m-arteyculturavisual.com/2018/12/26/la-mirada-oblicua-de-eva-lootz/

El País: https://elpais.com/cultura/2019/06/05/actualidad/1559741082_315940.html

Círculo de Bellas Artes Madrid: https://www.circulobellasartes.com/humanidades/presentacion-libro-eva-lootz-tener-azucar-bajo-llave/