Este libro recoge una serie de apasionantes y esclarecedores escritos de Ignacio Gómez de Liaño sobre Salvador Dalí, sin duda una de las figuras capitales del arte del siglo XX, a cuya obra y personalidad Liaño ha dedicado varios libros, como El camino de Dalí (Diario personal, 1978-1989) y el titulado sencillamente Dalí, además de incontables artículos.

Dalí funde y amalgama arte y vida en un continuo inseparable, cumpliendo ejemplarmente una de las aspiraciones de las vanguardias: su propia vida se convierte en creación deliberada y, sin ella, su multiforme obra (pintura, dibujo, poesía, prosa...) no puede ser cabalmente entendida en toda su riqueza y complejidad. El Surrealismo, lo comestible, el oro, Gala, el método paranoico-crítico… son algunas de las múltiples y acaso contradictorias variables que hacen que Dalí siga planteando, como todo gran artista, una ecuación cuya incógnita permanece irresuelta.

Gómez de Liaño se acerca a Dalí desde el análisis de su pintura y el interés común en la “persistencia de la memoria” y también desde la palabra del pintor. Cimentadas sobre la amistad e incontables conversaciones con el artista, a quien visitaba a menudo en Portlligat o en el Teatro-Museo de Figueras, acompañándole incluso mientras pintaba, estas páginas despliegan una suerte de personal desciframiento del enigma daliniano.

Ignacio Gómez de Liaño

Filósofo, poeta, novelista, ensayista, diarista y traductor. Doctor en Filosofía, ha sido profesor universitario de Estética, de Filosofía y de Teoría Sociológica. En permanente estado de combustión creativa, durante las décadas de 1960 y 1970 desarrolló una gran actividad en el campo de la poesía experimental de vanguardia y exploró las posibilidades de un arte cibernético. Más tarde vendrían los viajes por todo el mundo y las dilatadas estancias en Oriente. Hoy, con más de una treintena de libros publicados, la obra de Ignacio Gómez de Liaño es un hito en el panorama español, punto de paso necesario y referencia imprescindible.

Reseñas:  

Reescribir es como afinar un poema, donde cada estrofa y cada palabra, bien acordadas, pueden decirnos tras su afinación mucho más y sonar mucho más claro. Como el afinar un instrumento musical que, siendo el mismo, adquiere después de afinado, la capacidad de sonar mucho mejor. Cuando dudaba en tomar la decisión de reescribir mis textos, pensaba en lo complicado que iba a ser todo este proceso. Pero debo confesar, sorprendido, que me ha pasado todo lo contrario. Ha sido una ocasión de disfrute inesperada, un regalo, este limpiar y afinar mis textos reescribiéndolos.

Reescribir es volver a empezar, como volver a nacer, renacer. Con ese espíritu positivo, he acometido esta labor que me está dando tantas satisfacciones. Poder corregir los errores, ¡volver a empezar! ¡qué gran regalo de la vida!

Alberto Campo Baeza 

En 2020 recibió el Premio Nacional de Arquitectura. Sus obras van desde casas pequeñas como la Casa Turégano, la Casa Gaspar, la Casa de Blas, la Casa del Infinito o la Casa Raumplan, hasta obras grandes como Caja Granada, el Consejo Consultivo de Zamora o, recientemente, el Polideportivo de la Universidad Francisco de Vitoria en Madrid. Es catedrático de Proyectos en la ETSAM de la UPM desde 1986 y ha sido profesor en la ETH de Zurich, la EPFL de Lausanne, Penn University en Philadelphia, la CUA de Washington y en otras universidades del mundo. En 2014 ingresó como Académico de número en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de España y fue nombrado Fellowship del RIBA de Londres en ese mismo año. Su trabajo ha sido expuesto, publicado y premiado en numerosas ocasiones. Ha publicado numerosos libros, entre los cuales hay que destacar La idea construida, Pensar con las manos, Textos críticos #1 o Palimpsesto architectonico.

La palabra y la mirada: ¿qué hace quien mira una obra y habla de ella? Quien se coloca frente a una pintura, la página de un libro, un dibujo en planta y sección, y habla de ellos, ¿acaso trata de revelar la verdad que haya en tal obra? Creo que su papel es más humilde. No pretende descubrir o fundar ninguna verdad, sino que se parece más bien a ese que, al observar una nube, le dice a su vecino: “–Fíjate, parece una jirafa”. El único propósito de sus palabras provisionales es hacer mirar con atención, ver con más perspicacia la nube.

Quien mira y habla no habla de la obra, habla de la mirada. Pro- pone mirar. Se describe a sí mismo mirando, y sugiere así a quien lee o escucha hacer otro tanto, volverse capaz de ver por sí mismo, dotarse de ojos capaces de mirar alrededor. No habla para escuchar su propia voz, para lanzar una proclama o para construir una teoría. Su verdad está en algo tan inestable como la mirada, y tiene una fácil comprobación: cualquiera que lea o escuche puede verificar por sí mismo si está viendo lo dicho, y entonces la palabra habrá sido eficaz —o, si por el contrario, la palabra no ha conseguido salir y prender fuera de la página, como le ocurre en algunos casos al sembrador de palabras del que habla Marcos.

Hablar de la mirada: quien así haga cumple el antiguo rito del Señor que habita en Delfos, que ni dice ni oculta, sino que da indicios.

Josep Quetglas

Catedrático de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Cataluña y autor de numerosas publicaciones de teoría y crítica de la Arquitectura. Suyos son libros como La casa de Don Giovanni (1996), Pasado a limpio I (2001), Pasado a limpio II (2002) y Oíza, Oteiza: línea de defensa en Altzuza (2004), Artículos de ocasión (2004), Le Corbusier et le livre (2005), Breviario de Ronchamp (2017) y El horror cristalizado: imágenes del Pabellón de Alemania de Mies van der Rohe (2001 y 2020).

Alfredo Pirri es uno de los artistas más relevantes y originales de la Italia contemporánea. Su obra ha transitado por diferentes territorios plásticos (la pintura, la escultura y también el teatro y la arquitectura dan cuenta de ello), en los que la frontera entre disciplinas adquiere una dimensión porosa. Pirri ha acuñado un lenguaje propio que contempla lo imperfecto como una realidad desde la que definir atmósferas transcendentes. El tiempo, la luz, la memoria y los sujetos serán quienes finalicen el sentido último de todo este trabajo. La Biennale di Venezia, MoMA PS1, Maison Européenne de la Photographie–París, MACRO Testaccio o la Galleria Nazionale D’Arte Moderna–Roma son algunas de las instituciones que han mostrado su actividad durante estos años.

Alfredo Pirri. Espacio privado, arte público presenta por primera vez en español sus obras más significativas y muestra su periplo artístico e intelectual siguiendo sus vidriados y espejeantes Passi en el Foro de César, en el Palazzo Te o en el Atomska Ratna Komanda D-0, en Konjic (Bosnia Herzegovina), mostrándonos la estructura de La gabbia d’oro palermitana, adentrándonos en la turinesa Cappella Gentilizia de la Familia Sandretto y conduciéndonos a través de la ciudad entendida como memoria pública con el proyecto discontinuo de Compagni e Angeli, obra en la que Roma, Turi y Tirana hablarán de Antonio Gramsci desde sus especificidades históricas.

El relato que esta publicación recoge, emulando los cuidados cuadernos de trabajo del artista, en cuyas páginas maceran la fotografía, el delineado y la mancha de tinta imprecisa, amalgama una trayectoria poliédrica. Una labor que se formaliza en geometrías, colores, cementos, hierros, plumas y espejos para armar una nueva realidad. En estos lugares la imagen es descompuesta y recompuesta de nuevo, sufre, pero no sucumbe. Son espacios, instalaciones, intervenciones y objetos en los que la idea de “obra total” gravita poderosamente, pues Pirri concibe la obra de arte como una especie de “cavidad teatral”, un espacio de experiencia dentro del cual resuenan diferentes elementos, procedentes de tradiciones no solo heterogéneas, asincrónicas, sino a veces también incompatibles y conflictivas entre ellas, que hacen su aparición y se mezclan con una infinita variedad de actitudes y situaciones, y que reemplaza una idea de “identidad” estática, estable y definitiva por otra fluida, procesal y dinámica.

Fernando Moral Andrés

Arquitecto por la Universidad de Valladolid, Máster por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona y Doctor por la Universidad Politécnica de Cataluña. Ejerce como Director del Departamento de Arquitectura de la Universidad Nebrija.Actualmente es miembro del Grupo Consolidado de Investigación “Arte y Ciudad” de la Universidad Complutense de Madrid e investigador colaborador del Dipartimento di Pianificazione, design, tecnología dell’architettura, Sapienza–Università di Roma (Italia). Sus estudios se centran en la formalización de la ciudad pública desde las instituciones, el arte y la arquitectura. Es autor del libro Oteiza. Arquitectura desocupada y comisario de exposiciones como Mecanoo architecten: the Dutch mountains, Ábalos+Sentkiewicz: 6 verticalscapes y Eduardo Souto de Moura: Proyectos y Concursos. Ha sido colaborador del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

La escultura es la gran aportación de India al arte universal y constituye el arte que con mayor vehemencia refleja su peculiar forma de ver y de pensar el mundo. En este libro la autora reflexiona sobre los ideales que la sustentan y las consecuencias plásticas de éstos durante su periodo de máximo esplendor, que abarca nada menos que mil años de su historia (desde el siglo quinto hasta el siglo quince aproximadamente).

La escultura, además de ser un espejo para adentrarse en el conocimiento de una cultura tan extraordinaria como la india, es un ejemplo de elocuencia formal, un catálogo de los riquísimos materiales naturales que evidencia la capacidad de los escultores para extraer de ellos una expresividad inaudita y un paradigma de la vitalidad de la connivencia de forma y contenido. Así mismo, a través de la estatuaria, se pone de manifiesto el talento de los artistas para hacernos sentir de una forma física las historias, mensajes y emociones que las obras pretender transmitir. Un arte, en definitiva, de una enorme capacidad empática que, como quiere reflejar el título de este libro, tiene la habilidad de convertir las obras del hombre en instrumentos para la vivencia de la naturaleza material y hacerse uno en la materia del mundo.

Eva Fernández del Campo

Profesora de arte asiático y de arte contemporáneo en la Universidad Complutense de Madrid desde 1997 y dirige el Grupo Complutense de Investigación “Trama”, dedicado al estudio de la transculturalidad, las hibridaciones y el mestizaje en el arte de Oriente y Occidente. Se especializó en arte de India, país en el que ha realizado numerosas estancias de investigación gracias a varias becas como las del al Indian Council for Cultural Relations, o la de la UNESCO, participando en el proyecto “Integral Study of the Silk Roads”. Ha comisariado varias exposiciones, ha traducido a Ananda K. Coomaraswamy y es autora de varios libros, entre los que destacan Las pinturas de Ajanta y El arte de India. Historia e historias.

Pocas sillas en la historia del diseño habrán acarreado tanta polémica y tanta disputa por su autoría como la sillas voladas de tubo de acero en sus diferentes versiones. En el año 1927 las figuras más reconocidas de la arquitectura europea se dieron cita en la colonia experimental de la Weissenhoff, donde en movimiento moderno tuvo la ocasión de mostrar al mundo su propuesta para la vivienda del futuro y los objetos que la habrían de habitar.  Entre todas las piezas de mobiliario expuestas hubo una  que destacó sobre todas las demás por su novedad y audacia: la silla volada sin apoyos posteriores cuya autoría fue reclamada al unísono por tres figuras clave de la arquitectura que estaba por llegar: Mies van der Rohe, Mart Stam y Marcel Breuer.

El punto de partida para esta investigación es precisamente la coincidencia de estos tres arquitectos en un mismo modelo de silla y en una misma fecha. Sin embargo, el interés de este estudio no radica exclusivamente en una indagación sobre la autoría sino sobre cómo un mismo objeto puede resultar propositivo e interesante en campos muy diversos y de forma simultánea. Cada uno de los tres protagonistas la hicieron suya incorporándola a su propia investigación proyectual: la silla trasciende su propia escala para servir de vehículo en un proceso de exploración a nivel conceptual, formal, constructivo y estructural en la arquitectura de cada uno de ellos.

Pablo López Martín

Doctor Arquitecto por la UPM desde 2016 con la calificación de Sobresaliente Cum Laude con al tesis doctoral que inspirado este libro. Esta investigación quedó finalista en el concurso  XI Edición del concurso bienal de Tesis de Arquitectura de la Fundación Arquia. Desde el año 2006 ha compaginado su labor como investigador con el desarrollo de su profesión en los estudios de Carme Pinós, Rafael Moneo y AGi. Su trabajo a título personal ha sido merecedor de varios premios como el 1º Premio Nacional concurso "Caja de Arquitectos", otorgado por Kazuyo Sejima, el 2º Premio Nacional concurso "Formica Funcional" otorgado por Richard Rogers o la Mención Honorífica en el concurso internacional organizado por la revista JA Japan Architect, cuyo jurado único fue Steven Holl. Desde el año 2016 ejerce la docencia como profesor asociado en la Universidad Antonio de Nebrija.

Reseñas: 

Entre casas escritas (intimidad de la lectura) y casas fotografiadas (interiores desvelados) este libro se dispersa por el habitar moderno. En este recorrido el lector se irá encontrando con diversas historias que son, precisamente, el reflejo incompleto de un habitar que, si bien vive en el deseo de hacer sitio y recogerse, a menudo le cuesta encontrar emplazamiento. Paredes empolvadas con mucho de nada por cualquier rincón de una casa pequeño burguesa en Viena. O paredes débiles de un cuarto de alquiler, un habitar literalmente disperso o desposeído que huye precisamente de una idea de hogar convertida en una condición única. Barracones de un campo de exterminio, cabañas de fin de semana o chabolas desde las cuales, en un acto de nihilismo activo, se buscan formas de construir aunque sea desde poco y a partir de lo perdido. Casas de artista, algunas de ellas recién inauguradas, que con su obertura al público certifican que siglos más tarde habitar todavía significa dejar rastro en el interior. Una estética del bibelot que en casos como Proust entra y sale tanto de su apartamento como de su extensa novela, un texto que por cierto comienza con y en una cama. El blanco de la página y el blanco de la sábana, que diría Perec. Allí donde las banalidades del día a día, intrascendentes, se han convertido sin más en una excusa para escribir.

Daniel Cid Moragas

Associate Professor de la Winchester School of Art, University of Southampton. Es también codirector del grupo de investigación Critical Practices de la misma universidad. Tanto ahora, como en su etapa anterior en Elisava Escuela de Diseño de Barcelona, ha desarrollado proyectos de investigación tanto aplicada como teórica en diseño. En el ámbito concreto del habitar, donde centra gran parte de su atención, publicó Casas de la vida junto con Teresa Sala. La casa dispersa es en cierto modo una continuación, y en algunos casos una ampliación, de esta publicación. En este mismo sentido, junto a Eva Serrats y Francesc Pla ha desarrollado para Arrels Fundació Piso Cero. Una nueva tipología de apartamento ubicado en Barcelona para personas sin hogar con dificultades para adaptarse a otro tipo de recurso habitacional debido a su alto nivel de exclusión social. Igualmente, y dentro del ámbito del sinhogarismo, ha llevado a cabo proyectos en colaboración con el grupo de arte de Trinity Winchester dentro del programa asociado que la Winchester School of Art realiza con la Tate Exchange.

"Vuelvo a leer, con interés y gusto, el texto de José Quetglas sobre el Pabellón de Alemania en la feria de Barcelona de 1929, obra que consagró la figura del arquitecto Ludwig Mies van der Rohe […] Los relámpagos de lucidez que en un texto como este iluminan la compleja escena no pretenden convencer al lector de una determinada tesis, bien por el contrario, lo comprometen con el texto y lo obligan a una lectura reposada, encontrando a lo largo de ella momentos de lucidez que le harán sentirse próximo a lo que fue el drama de Mies. Un drama que puede que no quedase resuelto ni tan siquiera al cruzar el Atlántico. Leyendo el texto de Quetglas, y consciente de los relámpagos mencionados, uno agradece este modo de ver el nuevo rol del crítico”, escribe Rafael Moneo en el nuevo prólogo a El horror cristalizado de Josep Quetglas, realizado especialmente para esta cuarta edición, revisada y ampliada, que ha estado a cargo del eminente profesor, comisario e investigador Gillermo Zuaznabar. 

“Su forma no ha dejado de recoger y despedir, desde entonces, reflejos de distintas procedencias. ¿Hasta dónde?” se preguntaba Josep Quetglas en la salutación que redactara para presentar este libro hace ya más de treinta años, refiriéndose a sus sucesivas elaboraciones, primero como conferencia y luego como artículo hasta cristalizar en el texto definitivo. ¿Definitivo? Desde entonces, estas páginas no han cesado de reflejar la mirada con que tanto los lectores como el propio autor se acercan a él, acaso como un eco de la naturaleza ambigua y esquiva del propio pabellón.

El vidrio es una de las materias que ha intervenido en la construcción de lo que Heidegger (hablando de arquitectura), denominó “fronteras”. Y lo ha hecho de una forma ambigua, compleja y elusiva, mediando entre la luz y la mirada. Las propiedades ópticas de este material desencadenan una serie de aspectos perceptivos, emotivos y semiológicos, que desbordan su estudio desde un punto de vista meramente científico.

El texto reflexiona sobre veintidós palabras, acompañadas de una serie de imágenes, que hacen referencia a esos aspectos, y que nos ayudan a entender cómo la arquitectura hace uso de algunas de las cualidades más inaprensibles de este material paradójico; propiedades que en ocasiones se emplean de forma premeditada, y que, otras veces, se activan de forma imprevista, añadiendo máscaras, capas de misterio, a la materia.

Rosana Rubio Hernández

Arquitecta y Doctora por la ETSAM (Premio Extraordinario de Doctorado de la UPM 2015-16). Master in Advanced Architectural Design and Research por la GSAPP Columbia University. Desarrolla la profesión libre, habiendo recibido diversos reconocimientos. Investigadora y docente en el Área de Proyectos Arquitectónicos y de Paisaje (ETSAM, UCJC, Columbia University y University of Virginia, entre otras), actualmente es investigadora postdoctoral en la Tampere University, en Finlandia.

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Conocido tanto por su crecientemente revalorizada obra fílmica así como por su incansable labor docente, que ha formado a varias generaciones de amantes del cine en todo el país, Paulino Viota es una de las figuras más reputadas e incluso legendarias de la cinefilia en España. Como los de Víctor Erice o José Luis Guerín, el suyo es un nombre siempre identificado con el rigor y la seriedad, pero también con el sentido pedagógico y el amor por el cine, una referencia ineludible cuando se traza un recorrido por lo más interesante del pensamiento y la producción cinematográfica españolas.

Organizados en orden cronológico, los escritos recogidos en La herencia del cine —primera antología dedicada a la labor crítica de Viota, y que incluye un extenso texto inédito a modo de cierre— muestran, con una honestidad intelectual y biográfica poco habituales, un recorrido que arranca con el final del trabajo como director y guionista para recoger el pensamiento de un hombre de cine en su más amplio sentido. Viota funde en una sola la mirada apasionada y minuciosa del cineasta-vampiro con la mirada lógica y deductiva del analista-criptólogo. Mediante una escritura sencilla, precisa, clara, enemiga de todo hermetismo pero cultivada en un profundo conocimiento del cine y de otras artes, particularmente la poesía, el autor nos descubre, como si se vieran por primera vez, pasajes o películas enteras de algunos de los mejores cineastas. De este modo Chaplin, Eisenstein, Godard, Hitchcock, Hawks, Oliveira, Dreyer o Ford desfilan por estas páginas para ser saboreados, degustados y paladeados por esa doble y afilada visión que revela no solo sus características, cualidades, intenciones y razones sino las armonías ocultas que hacen de sus imágenes e historias algo memorable.

Paulino Viota

Paulino Viota (Santander, 1948) es cineasta, docente, crítico y analista cinematográfico. Su principal largometraje, Contactos (1970), se restauró en 2010 por la Filmoteca Española y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y ha sido proyectado, junto al resto de sus filmes, en diversos festivales de cine. En 2014 su filmografía completa fue editada en DVD por el sello Intermedio en el cofre Paulino Viota. Obras. Como docente ha impartido clases, charlas y conferencias por todo el país, generando un magisterio de enorme prestigio e influencia. Ha publicado numerosos artículos, reseñas, ensayos y la monografía Jean-Luc Cinéma Godard. Su trabajo (filmado, escrito y hablado) ha sido objeto de estudio en revistas especializadas y en el libro Paulino Viota. El orden del laberinto.

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