Vivimos en el Antropoceno, una época que nos obliga a tomar conciencia de los efectos que nuestro modo de vida provoca en el planeta y, por ende, a actuar responsablemente, entre otras cosas para paliar el cambio climático, uno de los grandes retos del presente. Sin embargo, hasta hace apenas dos décadas el mundo natural no desempeñaba un papel principal en la Historia sino uno meramente decorativo, como trasfondo ambiental en el cual se desarrollan las actividades humanas.

Profundamente comprometido en introducir las condiciones atmosféricas en la definición de los espacios arquitectónicos, incluso en proyectar partiendo de esos parámetros, el arquitecto suizo Philippe Rahm realiza una aproximación a estas cuestiones medioambientales desde el climaticismo y la ecocrítica. Siguiendo la estela de Bruno Latour, Lawrence Buell, Karen Barad, Jane Bennett o Philippe Descola, Rahm traza una nueva cartografía emocional de cuestiones meteorológicas y climáticas con el fin de examinar la influencia de estos sujetos no humanos en nuestra cotidianeidad. Es hora de que la naturaleza y el clima sean plenamente reconsiderados en un esquema no antropocentrista. En Meteorología de los sentimientos Rahm apela a una nueva manera de escribir para expandir nuestra sensibilidad: «¿Se podría pintar un lienzo, no con colores visibles, sino con intensidades de radiación ultravioleta que produjeran determinadas sensaciones al recorrer los ojos el cuadro?»

Phillipe Rahm

Arquitecto y doctor en arquitectura. Ha sido profesor adjunto en Princeton, Harvard, Columbia y Cornell. Ha recibido la Medalla de Plata de la Academia Francesa de Arquitectura y nombrado Caballero de la Orden del Mérito Cultural del Principado de Mónaco. Su trabajo se basa en el análisis de las implicaciones de las condiciones climáticas en la definición de los espacios arquitectónicos. En sus proyectos, parámetros invisibles como la temperatura y la humedad son potenciados desde su papel técnico, habitualmente subordinado, para convertirse en la base de un nuevo tipo de arquitectura sostenible, alejada de los clichés asociados a la eficiencia energética y con potencial transformador de la edificación tradicional. Su obra han merecido premios y actualmente construye por todo el mundo. Entre sus libros cabe destacar Constructed Atmospheres, Le Jardin Météorologique, Environ(ne)ment (con Gilles Clément), Écrits climatiques  o Forms follows Climate. Representó a Suiza en la VIII Bienal de Arquitectura de Venecia y en 2020 comisarió la monumental exposición Histoire Naturelle de l’Architecture en el Pavillon de l’Arsenal de París, de cuya obra homónima es autor.

Parafraseando a Dylan Thomas, podríamos decir que este ensayo no tiene ni principio ni final y poco o casi nada entre medias, pues tan solo se trata de un breve paseo por lo femenino en la Historia del Arte: es imposible recoger en pocas páginas todo lo que ha simbolizado la imagen de la mujer. Por tanto, este texto debe interpretarse como un análisis fenomenológico, inevitablemente personal y subjetivo, de cómo la mujer ha sido entendida y representada a lo largo del tiempo.

Ya en los albores de la representación del cuerpo humano, hubo predilección por el cuerpo femenino, relacionado con la continuidad: la sacralización de lo femenino iba ligada a la supervivencia de la especie. Cuando las estructuras sociales y el pensamiento abstracto se imponen, la mujer deja de ser diosa y es arrojada del Paraíso. A partir de ese instante el arte comienza un largo recorrido en busca de una feminidad terrenal y profana, y cada cultura idealiza plásticamente el rol social de la mujer con formas, colores, matices y acentos distintos. Este proceso de definición artística de la identidad femenina será largo y cambiante aunque a menudo el pintor preferirá ver a la mujer simplemente como algo bello. Habrá que esperar al siglo XX y a la irrupción de artistas modernas como Tamara de Lempicka y Georgia O’Keeffe para que lo femenino rompa los límites sociales impuestos y establezca su imagen desde la libertad y la autonomía.

Félix Ruiz de la Puerta

Licenciado en Matemáticas y doctor en Filosofía. Ha sido profesor titular en los Departamentos de Matemáticas e Ideación Gráfica y profesor invitado en cursos de doctorado de Proyectos Arquitectónicos en la Escuela de Arquitectura de Madrid. Ha impartido docencia, conferencias y charlas en universidades americanas. Ha desarrollado su investigación en campos distintos como el cine, la arquitectura, la jardinería, la pintura, la literatura o la escultura, intentando siempre ir más allá de lo que se ve: sus escritos son reveladores tanto por los temas como por el original enfoque fenomenológico de su pensamiento. Es autor de numerosas publicaciones y sus últimos libros, como El universo estético de Dylan Thomas y El jardín japonés: una mirada fenomenológica, conjugan con acierto el rigor académico con el lenguaje poético.

Sostenía Vitruvio que, en arquitectura, la práctica es inseparable del razonamiento. Desde esa perspectiva, José Ignacio Linazasoro ocupa una posición singular entre los arquitectos de su generación, pues para él escribir está estrechamente unido al ejercicio mismo de la arquitectura. De hecho, en su quehacer arquitectónico proyectos y escritos forman un todo cuyas ideas centrales son el contexto, la permanencia, el orden, la fragmentación y una cierta vocación de anonimato. Entendiendo la ciudad heredada como un proceso histórico, Linazasoro afirma que la arquitectura «debe medirse continuamente con el pasado, debe mantener la memoria pero sin dejarse atrapar por el historicismo», para así poner en relación el proyecto con la memoria del lugar. Simón Marchán incluyó a Linazasoro entre los “arquitectos intempestivos”: aquellos que formaban parte de otra modernidad, que alejada de las rupturas de la vanguardia busca vías alternativas que afirmen el valor urbano de la arquitectura y recuperen una imagen arquitectónica inteligible en vez de apostar por la tabula rasa y el experimentalismo banal.

La arquitectura del contexto gira en torno a las arquitecturas representativas de esas vías. Obras que no pueden entenderse al margen de un determinado contexto urbano, que consolidan o modifican y al que en definitiva remiten; obras que se esfuerzan por integrarse en la ciudad con la intención de construirla discretamente y sin gesticulaciones. Esta es la lección, sencilla y apasionante, que Linazasoro propone en este libro analizando unas obras —edificios singulares, fragmentos urbanos o espacios públicos— que merecen ser estudiados con atención, pues constituyen un catálogo donde aprender a hacer una arquitectura contemporánea digna de tal nombre.

José Ignacio Linazasoro 

Reconocido entre los arquitectos europeos más prestigiosos de su generación, destacando singularmente su contribución al proyecto del espacio público y por su sensibilidad frente al problema de la relación entre preexistencia y arquitectura contemporánea. Ha sido catedrático en las escuelas de Valladolid y Madrid. También ha sido Visiting Professor en numerosas escuelas de arquitectura europeas y americanas, siendo su estancia más reciente en el EPFL de Lausanne. Intervenciones como las de la Iglesia de Santa Cruz de Medina de Rioseco, o la de Valdemaqueda,  el conjunto de las Escuelas Pías de Lavapiés o el entorno de la Catedral de Reims son referencias imprescindibles de construcción sobre preexistencias. Ha obtenido numerosos reconocimientos nacionales e internacionales y en 2014 se le concede el Premio Internacional Piranesi Prix de Rome por su trayectoria. Entre sus publicaciones, inseparables de sus obras, hay que señalar Permanencias y arquitectura urbana (1978), El proyecto clásico en arquitectura (1981), La memoria del orden (2013), Textos críticos (2017) y Memoria de una búsqueda (2019).

Tendemos a pensar, según el consolidado principio de causalidad, que los hechos del pasado influyen sobre el presente, lo cual, aplicado a la Historia del Arte, no haría sino poner de relieve la autoridad que los maestros pretéritos ejercen sobre los artistas posteriores. Sin embargo, Juan José Lahuerta sostiene que, bien al contrario, es el presente el que influye sobre el pasado, actuando retroactivamente sobre él. Así, esta fascinante colección de textos, escritos con la tensión de una novela negra, se convierte en la instrucción de un expediente que, recogiendo en orden cronológico diferentes casos, tiene como objetivo revelar esa interesada retroactividad del arte, destacando de manera especial la que practicaron las vanguardias, las cuales, para afirmar su —paradójica— modernidad, invocaron toda clase de precedentes memorables de los que hicieron una interpretación espuria con el fin aprovechar el prestigio de unos inciertos orígenes —tan aparentemente nobles como convenientemente imaginarios— suspendidos en un Tiempo sin tiempo y en una Historia sin historia.

La pesquisa de Lahuerta, armado con lo que Ricoeur denominó teoría de la sospecha y convertido en “arrancador de máscaras”, desvela los rasgos más siniestros del deliberado saqueo que la modernidad, en su afirmación simultánea como Edad de Oro y como culminación apocalíptica de los tiempos, hizo de los tesoros del pasado. No por casualidad, Benjamin definió la modernidad, precisamente, como aquella época en la que lo siempre nuevo permanece eternamente como lo siempre igual, para concluir afirmando que “la modernidad es la época del infierno”.

Juan José Lahuerta

Profesor de Historia del Arte en la ETSAB. Ha enseñado en universidades como el IUAV de Venecia o New York University, entre otras. Ha sido Jefe de Colecciones del Museo Nacional de Arte de Cataluña y Senior Curator del Museo Picasso de Barcelona. Ha publicado libros sobre arte y arquitectura como, por ejemplo, 1927. La abstracción necesaria (1989); Antoni Gaudí, 1852-1926. Architettura, ideologia e politica (1992); Le Corbusier. Espagne. Carnets (2001); Estudios antiguos (2009); Humaredas. Arquitectura, ornamentación y medios impresos (2010); Religious Painting. Picasso and Max Von Moos (2015); Marginalia. Aby Warburg, Carl Einstein (2015); Photography or Life: Popular Mies (2015); On Loos, Ornament, and Crime (2015); Antoni Gaudí. Ornament, Fire, and Ashes (2016). Es miembro del consejo científico de Casabella y fundador y director de Mudito & Co.

Esta publicación recoge en formato facsimilar una parte, la tercera y última, presentada bajo el epígrafe «Fantasía muscular», de la tesis doctoral de Enric Miralles, provocativamente titulada «Cosas vistas a izquierda y a derecha (sin gafas)». La tesis no seguía el formato habitual: palabras y dibujos se sucedían caudalosamente dando cierta impresión de hallazgos casuales a la búsqueda de una particular razón estética. Se trataba, pues, de una declaración de principios, un compendio de pensamientos fulgurantes que revelaban una poética personal, la del propio Miralles. Para Rafael Moneo «la lectura de la tesis aclara mucho la posible interpretación que hoy se haga de la obra de Enric. Mucho de lo que fue su trabajo está ya implícito en ella». Podría decirse, en consecuencia, que es una tesis que se adelantó a su tiempo —el tiempo de obrar del arquitecto— y que fue su obra posterior la que, actuando retroactivamente sobre ella, le aporta un nuevo y revelador sentido.

Fantasía muscular brinda al lector la oportunidad de asomarse a este trabajo seminal de Enric Miralles, que con seguridad merece una investigación extensa y detallada. La edición se complementa con sendos artículos de Rafael Moneo y Josep Quetglas más los informes de la tesis (de Moneo, Quetglas, Félix de Azúa, Juan Navarro Baldeweg y Josep Muntañola), todos textos certeros que valoran críticamente el alcance, la idoneidad y la ejemplaridad del trabajo. Así, se revela cierto carácter «modélico» que convierte la tesis de Miralles en un caso de estudio, poniendo de manifiesto cuestiones que la evolución de la Universidad y la generalización de las tareas investigadoras han vuelto de interés colectivo: qué puede considerarse investigar sobre arquitectura, en qué consiste exactamente una tesis doctoral de arquitectura y hasta dónde se pueden expandir sus límites sin desnaturalizarla.

Enric Miralles

(Barcelona, 1955 – Sant Feliu de Codines, 2000) Uno de los arquitectos españoles de mayor relieve internacional. En su trayectoria profesional —tras colaborar con Viaplana y Piñón hasta 1983, comenzó su trayectoria independiente junto a Carme Pinós y en 1993 creó el estudio EMBT con Benedetta Tagliabue—, intensa pero desafortunadamente breve, desarrolló un lenguaje plástico y arquitectónico original, propio, genuinamente personal. Menos de veinte años le bastaron para dejar un buen puñado de obras memorables por todo el mundo, así como escritos, dibujos, bocetos, fotomontajes, diarios, y casi un millar de maquetas originales. Entre otros muchos premios recibidos, fue galardonado en 1995 con el Premio Nacional de Arquitectura y en 1996 con el León de Oro a la Bienal de Arquitectura de Venecia.

14 parejas y un mosaico; 75 años de vivienda en España es un juego de espejos que, mediante la comparación de parejas de obras residenciales, pretende ilustrar las enormes transformaciones acaecidas en este país desde la posguerra hasta nuestros días. Estos cambios han afectado profundamente a la ciudad, a la vivienda y a la manera de concebirlas hasta configurar el paisaje que caracteriza las ciudades españolas. La vivienda es el sensor perfecto para detectar las innumerables pequeñas variaciones que han ido configurando nuestro hábitat.

El emparejamiento alienta un diálogo entre los dos ejemplos confrontados, que juntos dicen cosas nuevas de cada uno, distintas de aquello que dirían por separado. La selección contrasta muchas de las ideas de estos años con la perspectiva de su momento concreto: la necesidad, la experimentación, la técnica, el crecimiento de la ciudad, la agregación, la conciencia de lo urbano, el reaprovechamiento de edificios, la convivencia entre lo nuevo y lo viejo...

El juego de parejas, que no tienen por qué ser de la misma época ni pertenecer a la misma tipología, es capaz de revelar relaciones, coincidencias y diferencias y así convertirse en un fértil método de análisis. Esta lectura transversal no pretende recoger las obras más significativas de cada época y se dejan de lado influencias, genealogías o tipos. Ello permite, en cambio, hablar de temas oportunos y relevantes actualmente. Al final construiremos edificios inspirándonos en ejemplos distintos, sin importarnos su filiación. Este es el propósito último de esta colección emparejada.

Xavier Monteys

Catedrático de Proyectos Arquitectónicos en la ETSAB. Es autor de numerosos libros, entre otros, Casa Collage, un ensayo sobre la arquitectura de la casa, El plaer de la Ciutat, La Habitación, más allá de la sala de estar, Ciudad Recortada, La calle y la casa, urbanismo de interiores y La casa como jardín. Con el grupo HABITAR, del que es coordinador, ha publicado el Atlas del aprovechamiento arquitectónico. Desde 2007 escribe una columna de crítica de arquitectura en la edición de Cataluña de El País.

Maria Rubert de Ventós

Catedrática de Urbanismo en la ETSAB, donde imparte docencia en el Grado y en los Master de Urbanismo y de Paisajismo. Es autora de los libros Places porxades a Catalunya, Empire Corner y Barcelona sin GPS, coautora de Metro-Galaxias Metropolitanas y La ciudad no es una hoja en blanco: hechos del urbanismo. Es asesora del Plan Director del Área metropolitana de Barcelona. Colaborardora habitual en medios escritos y audiovisuales, en 2006 recibió el Premio Nacional de Urbanismo a la Iniciativa periodística.

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Dicen que somos lo que comemos, pero fundamentalmente, somos lo que otros pensaron antes que nosotros y nosotros elegimos hacerlo propio o no… Sin saber qué hicieron quienes nos precedieron, difícilmente encontraremos nuestro sitio o serviremos de guía a quienes nos sucederán. De ahí el siempre renovado interés de revisitar a los maestros… Y, para eso, nada como el viaje, el contacto directo con sus obras. Porque las obras nos hablan… basta con saber escuchar, aunque fuera haya mucho ruido. Porque esas visitas serán la guía para cuando nosotros, a su vez, nos enfrentemos a la ardua y apasionante tarea de proyectar y construir el mundo. “Las piedras nos devuelven el cariño que les pones”, decía Coderch.

El siglo XX supuso una ruptura con los precedentes, por más que, como arquitectos, siempre estemos respondiendo a las mismas preguntas. Escribe que algo queda… Las palabras (y los tweets y los posts) se los lleva el viento y otras noticias de actualidad, en las que lo urgente pasa, a menudo, por encima de lo importante. Este libro pretende compartir cosas importantes. ¿Por qué un libro está por encima de tantas otras cosas? Para ayudarnos a ser algo más que una cosa… Leer es el viaje del pobre, solo que leer nos permite viajar a tiempos que ya no existen.

Octavio Mestre

Octavio Mestre entiende el ejército de la profesión como un taburete de tres patas en el que construcción, docencia-investigación y edición-comunicación se entremezclan, creando sinergias entre ellas… Sus 150 obras en varios países (y muchos más estudios o concursos perdidos), una veintena de libros publicados, numerosos artículos y participaciones en workshops y congresos, la revista digital t18 —de la que salen buena parte de estos textos— y varios miles de alumnos, en una docena de países a ambos lados del Atlántico, dan cuenta de ello. Todo ello abordado con el espíritu del que siempre está empezando y entendiendo que todo nuevo libro, todo viaje, todo edificio son siempre el primer libro, viaje o edificio. Según sus propias palabras, es “consciente de que, tras 35 años de ejercicio profesional, queda menos de lo ya vivido, y uno debe de seleccionar muy bien lo que le queda por decir, hacer solo las obras que le permitan explicar cuanto se quiere, dentro de un recorrido que uno aspira a que sea coherente, bueno y si no, al menos, digno...”.       

Este libro recoge diferentes textos de Antonio Fernández Alba —uno de los pocos arquitectos españoles que, de forma sistemática, ha simultaneado con dedicación, profundidad y compromiso las labores de arquitecto, docente y crítico—, seleccionados por su autor hasta constituir una suerte de autobiografía intelectual. Azules de otoño cerrado es una pequeña licencia literaria para referirse a una época en la que la arquitectura se desarrollaba todavía en “tiempos de oficio”, entre 1960-2000. Sin embargo, los temas que Fernández Alba propone al lector mantienen absolutamente toda su vigencia: la ciudad, el medio ambiente (tratado por él mucho antes de que este término fuera de uso común), la especulación, la despiadada influencia del mercado sobre los espacios colectivos, la responsabilidad del arquitecto en la definición del hábitat construido, social, visual y cultural, y su capacidad real, en ocasiones demasiado limitada y estéril, de transformar el mundo. El análisis, la objetividad, la lucidez, el valor pedagógico y la intención de profundizar en cada asunto tratado son comunes a todos ellos, así como una prosa excelente plena de sugerencias. Este libro permite al lector ahondar en las ideas más destacadas de un arquitecto siempre a la búsqueda de una ética de la forma, que trabajó y reflexionó con la esperanza de que la modernidad permitiera construir nuevos paradigmas para entender el mundo y abordarlo desde la arquitectura, pero también con la desconfianza en la razón instrumental, que a menudo se queda en un mero inventario de usos, funciones y aprovechamientos sin alcanzar a construir verdaderos espacios para la vida.

Antonio Fernández Alba

Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, donde fue catedrático de Elementos de Composición. Es Doctor Honoris Causa por varias universidades (Valladolid, Alcalá de Henares y Politécnica de Cartagena), Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y Académico de la Real Academia Española de la Lengua. De las muchas distinciones que ha recibido destacan el Premio Nacional de Arquitectura en dos ocasiones y el Premio Nacional de Restauración. Fue uno de los fundadores del grupo El Paso, iniciando así una trayectoria profundamente personal, alejada de cualquier moda, que sobrevuela los territorios de la arquitectura, el arte y la cultura. Fernández Alba fue un renovador del lenguaje arquitectónico e introdujo la sensibilidad doméstica y humana de la arquitectura nórdica frente al monumentalismo pomposo y el tradicionalismo insustancial de la arquitectura del franquismo. Entre sus diversos libros cabe señalar El diseño entre la teoría y la praxis, Domus Aurea. Diálogos en la casa de Virgilio, De varia restauratione: intervenciones en el patrimonio arquitectónico, Espacios de la norma. Lugares de invención o La ciudad herida.

En Arquitectura para los pobres Hassan Fathy relata su propia experiencia en la concepción, planificación, diseño y construcción de Nuevo Gourna, una población en las afueras de El Cairo pensada para realojar a los pobladores de un antiguo asentamiento de excavadores arqueológicos. Este poblado de nueva creación fue la primera tentativa de Fathy de aplicar a gran escala su concepto de arquitectura social, convencido de que la arquitectura podía y debía crear entornos favorables al desarrollo del ser humano por encima de cualquier otro objetivo.

Es, por tanto, el relato de unas grandes aspiraciones: el intento de mejorar la sociedad desde la arquitectura trabajando sobre la sostenibilidad ecológica, el uso de materiales y técnicas locales y la implicación de los habitantes en la construcción como medio de empoderamiento. Es también la historia de un relativo fracaso, achacable en cualquier caso no al arquitecto sino a la intrahistoria del proyecto: las trabas burocráticas, la falta de medios y la inercia vital de aquellos a los que se intentaba favorecer impidieron el éxito total, aunque ello en absoluto invalida unas ideas realmente valientes. Además de ser una apasionante y vívida crónica, el libro presenta esta experiencia como una actuación generalizable y, por lo tanto, de posible aplicación en situaciones similares. Francis Diebedó Kéré, cuyas actividades y actitudes corren paralelas a las de Fathy ha redactado unas líneas certeras como presentación. El sostenido interés de los medios especializados por ambos arquitectos demuestra que la vía hacia una arquitectura sostenible que Fathy abrió sigue teniendo plena vigencia, pues sus ideas fomentan una verdadera arquitectura de la dignidad.

Hassan Fathy

(Alejandría, 1900 - El Cairo, 1989) Intelectual comprometido con la renovación cultural de su país e implicado en mejorar el habitat del campesinado, cuyas condiciones de vida parecían no haber cambiado desde los tiempos faraónicos, es el arquitecto egipcio más influyente y el que más interés sigue despertando. Se formó en la enseñanza beaux-artiana y eclecticista de su época, a la que añadió la influencia del Estilo Internacional. Pronto comprendió que los métodos de esas escuelas eran inadecuados para las condiciones económicas, sociales y climáticas de Egipto. Allí la solución al problema de la vivienda rural no podía pasar por la industrialización, los nuevos materiales y el aire acondicionado, sino por las técnicas artesanales de autoconstrucción, los materiales locales y el acondicionamiento térmico pasivo. Dedicado por completo a esta misión, participó en los debates internacionales, en la puesta en marcha del premio Aga Kahn y en la creación del Instituto de Tecnología Apropiada. En 1884 recibió la Medalla de Oro de la Unión Internacional de Arquitectos. Hoy día es considerado uno de los pioneros de la arquitectura ecológicamente sostenible y socialmente responsable.

¿Puede escribirse un libro que contenga todas las escaleras del mundo? Dado que, como aquí se afirma, el número de escaleras es infinito, tal tarea parece imposible. Y sin embargo, sí puede intentarse rastrear los territorios, las ideas y las problemáticas que tienen en común. Reunir en un tomo los rasgos comunes a “todas las escaleras del mundo” tal vez sea un trabajo difícil, pero indudablemente resultará provechoso.

Este escrito huye de la tentación de establecer taxonomías, o tranquilizadoras clasificaciones de las escaleras. Porque, al igual que los líquenes, se trata de una de esas especies que pertenecen a varios mundos y ocupan simultáneamente varias dimensiones: son primitivas y sin embargo es imposible describir algunos de los mejores espacios de la contemporaneidad sin poner en valor su presencia. Son básicas y sin embargo en torno a ellas se dan situaciones complejas y casi invisibles en el día a día.

Las escaleras son un componente primordial de la arquitectura y el primer y más sencillo sistema para el desvelamiento de sus modos de conexión debido a que enlazan con extrema facilidad personas y situaciones a diferente nivel. Son un perfecto arquetipo arquitectónico, simbolizan el objetivo de la composición y gracias a ellas es posible la misma idea de secuencia de espacios. Como hacen los puentes al cruzar valles y ríos, las escaleras crean lugares en sus dos extremos siendo en sí mismas uno particular.

Sin estudiar este arquitectónico ser unicelular, resulta imposible comprender, siquiera hoy, lo que significa lo vertical en términos psicológicos, ni puede que tampoco, en otro extremo, entender cualquier idea de progreso social en términos de ascenso o descenso. De su combinatoria, de su producción y de su cultivo depende, en buena medida, como seres testigo que son, el avance y los descubrimientos futuros de la propia arquitectura.

Santiago de Molina 

Es profesor titular de Proyectos Arquitectónicos en la universidad San Pablo CEU de Madrid. Su obra ha recibido diferentes premios en concursos nacionales e internacionales. En Ediciones Asimétricas ha publicado los libros Hambre de Arquitectura y Múltiples. Estrategias de la arquitectura. También es autor de Arquitectos al margen y Collage y Arquitectura, libro seleccionado a los premios FAD de Teoría y Crítica 2015. Es colaborador habitual de numerosos medios especializados. Dirige desde el año 2009 el blog Múltiples estrategias de arquitectura.

Premios: 

Premio COAM 2021 a la Difusión 

Premios FAD: https://arquinfad.org/premisfad/es/ediciones-anteriores/?edicio/2022/obra/11460/  

Finalista XVI BEAU 2023 Investigación y difusión